lunes, 31 de marzo de 2008

Adriano Castoro

'Las 13 rosas'

ALICANTE. FNAC BULEVAR (Avda. de la Estación, 5)

Del 1 de febrero al 31 de marzo de 2008.



Las 13 rosas

El fotógrafo inglés Adriano Castoro retrata la película ganadora de cuatro premios Goya.

Una muestra de treinta imágenes realizadas por el fotógrafo londinense Adriano Castoro durante el rodaje de la película de Emilio Martínez-Lázaro "Las 13 Rosas".

Castoro capta en sus fotos el espíritu de un film que recrea la historia de crueldad e injusticia que sufrieron trece mujeres inocentes. Una ciudad devastada por la guerra, la oscuridad de las cárceles, el vestuario, la luz, los decorados… así como la traición, la tortura y la inocencia, han sido registradas por este fotógrafo que, en escenarios donde ya está todo dispuesto, logra mostrar una mirada personal y no sólo descriptiva del rodaje de la película.

La película

Trece chicas, casi todas menores de edad, fueron fusiladas la madrugada del 5 de agosto de 1939 contra las tapias del Cementerio de la Almudena en Madrid.

Su historia fue recuperada por el periodista Carlos Fonseca que investigó basándose en las cartas que ellas mismas escribieron y en los testimonios de sus familiares.

Ahora este conmovedor suceso ha sido llevado al cine por el director Emilio Martínez-Lázaro en una producción de Enrique Cerezo y Pedro Costa que se estrena en España el 19 de octubre. (www.lastrecerosas.com)

Sobre el fotógrafo

Adriano Castoro nació en Londres en 1977. Formado en fotografía de moda, ingresó en la London Film School, donde cursó un Master de Cine. Durante este período de tres años obtuvo el Kodak Prize de publicidad, al tiempo que hizo varios trabajos de fotografía y cine en más de treinta cortometrajes y varios largometrajes.
Desde hace tres años vive en España, donde continúa realizando proyectos de fotografía y cine. Entre ellos, ha realizado la foto fija para las dos últimas películas de Emilio Martínez-Lázaro, "Los 2 lados de la cama" y "Las 13 rosas". (www.adrianocastoro.com)

http://www.clubcultura.com/clubfoto/exposiciones.php

Horacio Coppola

HORACIO COPPOLA


Buenos Aires, 1906

Del 10 de Abril - 25 de Mayo, 2008

Horacio Coppola

El afán por la modernidad encuentra en HORACIO COPPOLA (1906-) el mejor representante de la fotografía argentina del siglo XX. En total sintonía con los lenguajes artísticos de la Nueva Objetividad, Coppola frecuenta los últimos años de la Bauhaus, dirigida en aquel momento en Berlín por Mies Van der Rohe. Hacia finales de los veinte Coppola es responsable por romper totalmente con la tradición pictorialista.

En la mayor exposición realizada hasta el momento en España, Fundación Telefónica de Madrid revela la vocación moderna de Horacio Coppola, que desde un primer momento hizo de la fotografía un lenguaje artístico autónomo, que se realiza a través de la geometría, de la abstracción y de las arquitecturas urbanas. El vértigo de la ciudad moderna, se desdobla en las visiones múltiples de Buenos Aires y queda registrada por la cámara de Coppola: la ciudad y los cielos construídos, los nocturnos y las multitudes, los puertos geometrizados, el artificialismo de las vitrinas, la aceleración de los medios de transporte, en fin, una ciudad fundacional que en 1936 celebra sus cuatrocientos años, y que culmina con su extraordinario corto metraje "Así nació el Obelisco.

Sede Social de Telefónica
Gran Vía, 28

Almoneda 2008


Alberto y Julio Sánchez Millán

Formas y Materiales


(Del 3 al 30 de abril de 2008)

Siempre nos han atraído las obras en construcción. En ellas descubres detalles de belleza de formas, proporciones, colores o materiales que no se pueden o no se saben ver de otra manera.

De ahí nuestro interés por esas formas, esas proporciones, esos colores (o falta de colores) o esos materiales. Fotografiar un edificio en construcción, el esqueleto de lo que será un día, sus elementos por separado, es un ejercicio parecido al que hacíamos de niños con aquellas arquitecturas de piezas de madera con formas diversas siempre proporcionadas para crear edificios de acuerdo con la imaginación. Es lo mismo que preparar una fotografía a partir de diversos temas que, en conjunto, todavía no vemos. El fotógrafo tiene que elaborar la fotografía porque no encuentra motivo ante el objetivo. Sólo se conformarán los que no ven más allá de lo que ve la propia cámara.

Todos los objetos, todas las superficies, todos los materiales, por pobres que sean, incluso de deshecho, muestran su belleza. A veces con una perfección en las proporciones y en las formas que son acordes con esa memoria colectiva que, mas o menos desarrollada, todos tenemos de tanto ver y de tanto mirar; y porque la propia naturaleza nos ha ido educando en esas constantes.

Nuestro ejercicio en este trabajo ha sido precisamente descubrir todo eso en las propias formas y proporciones evitando cualquier artificio pensado a priori o manipulado con la cámara fotográfica. Por supuesto que hemos tenido en cuenta las luces y las sombras, los encuadres, el diálogo entre las propias fotografías, pero tal como se nos ofrecían ante nuestros ojos.

Cuando haya pasado un tiempo no quedará nada de esos elementos. Cuando los edificios estén hechos y el lugar totalmente urbanizado será otra cosa, otro paisaje. Lo que significa que más que formas y materiales hemos fotografiado momentos, asuntos, aunque en este caso se trate de un tiempo irreal ante la inexistencia de presencia humana. Una ciudad en construcción es tan extraña como una ciudad en destrucción o abandonada. La diferencia radica en que en el primer caso hay esperanza de vida y en el segundo nostalgia de lo que se perdió.

Sánchez Millán

Real Sociedad Fotográfica
Calle de los Tres Peces 2
28012 - Madrid

www.rsf.es

Luiz Simöes

Vertidos y las Cosas

Galería Blanca Berlín

(3 de abril - 3 de mayo de 2008)

Vertidos y Las Cosas no es una campaña pro reciclaje. No es un intento de cambiar un proceso, no seríamos capaces. Es tan solo una visión personal de lo que somos, de lo que estamos haciendo y hacia donde vamos. Tarde o temprano. Sería demasiado pretencioso creernos capaces de cambiar el proceso, pero no puedo dejar de creer en la posibilidad de que mientras estemos aquí, vivamos de forma más cívica y respetuosa con el entorno y los demás. La perspectiva de que algo podamos hacer para dejar que la historia siga siendo lenta.

Galería Blanca Berlín

C/ Limón nº 28-Plaza Guardia de Corps

Madrid

www.blancaberlingaleria.com/index1.html

Andreas Feininger

Fundación Juan March (Mallorca)

(hasta el día 3 de mayo de 2008)

Selección de 71 obras del fotógrafo americano Andreas Feininger (París, 1906 – Nueva York, 1999), una de las figuras más destacadas de la fotografía del siglo XX. La exposición es la primera retrospectiva dedicada en España a un fotógrafo que se movió entre la fotografía artística y el fotorreportaje. La muestra presenta una selección de fotografías realizadas en sus comienzos; muchas de su prolífica etapa en la revista Life, en la que compagina sus dos grandes temas: el retrato de la vida urbana (su belleza, más que sus conflictos) (y su particular “anatomía” de la naturaleza, con sus fabulosos primeros planos de insect6os, flores, conchas, rocas... También se presentan algunos de sus libros.

Andreas Feininger fue uno de los primeros de una generación de artistas que descubrió y experimentó con la fotografía como medio artístico en los años que siguieron a la I Guerra Mundial. Cercano a la experimentación fotográfica de los años 20 y 30, que después abandonaría, Feininger es sobre todo un “anatomista” (Jean- François Chevrier) heredero de Blossfeldt y de Alfred Renger-Patzsch, desde los que derivará hasta trabajar, durante toda su vida, en su campo propio: la frontera difusa entre la fotografía artística, el fotorreportaje y el fotoperiodismo. Feininger llegó a ser durante largo tiempo uno de los fotógrafos estrella de la revista Life, y se hizo célebre con sus famosas “double side”, sus fotografías a doble página. También escribió sobre fotografía numerosos artículos y libros. Hasta su muerte en 1999, publicó más de 50, algunos de los cuales pueden verse en la exposición, junto a algunas de sus cámaras, revistas y documentos de época.

Andreas Feininger (París, 1906 – Nueva York, 1999) fue el mayor de los hijos de Lyonel Feininger, el conocido pintor americano de origen alemán. En 1908 toda la familia Feininger se trasladó a Berlín y de allí, en 1919, a Weimar, donde el padre fue profesor –junto a Le Corbusier, Walter Gropius, Vassily Kandinsky o Johannes Itten– en la recién fundada Bauhaus. A principios de los años veinte, Andreas Feininger estudió ebanistería en los cursos de la Bauhaus , donde continuó su formación como arquitecto. Tanto la obra y las aficiones de su padre como algunos de los principios de aquella escuela –la importancia de la composición, la claridad, la perspectiva o la proporción– serán características constantes en el posterior trabajo fotográfico del joven Feininger, como también el interés por todo lo relacionado con la naturaleza y su representación, que acabaría convirtiendo la fotografía en su gran pasión y en su trabajo. En 1929 su obra aparecía ya, seleccionada junto a la de El Lissitzky o Laszlo Mohóly-Nagy, en ensayos de vanguardia como el célebre Photo/ Auge de Franz Roh.

Completados sus estudios de arquitectura, Feininger trabajó como arquitecto en Hamburgo y, por un breve periodo, con Le Corbusier, en París. En 1933 las autoridades francesas cancelaron su permiso de trabajo y se marchó a Estocolmo. Allí se dedicó del todo a la fotografía, y muy rápidamente adquirió cierta celebridad como fotógrafo de arquitectura y ciudad. Con el inicio de la II Guerra Mundial, su situación (Feininger seguía siendo ciudadano americano) se hizo cada vez más complicada, y en 1939 emigró a los Estados Unidos junto con su mujer, Wysse Hägg. Algunos contactos europeos le facilitaron un contrato con la Black Star Agency, una de las principales agencias de fotógrafos de Nueva York. Fue un periodo duro, en el que compaginó trabajos por encargo con su afición a deambular libremente por la ciudad y retratarla: edificios, calles, puentes, pasos elevados, cementerios, comercios; la belleza natural de Central Park, la pobreza del Lower East Side, el “Skyline” de Manhattan o la grandiosidad del puente de Brooklyn: Nueva York sería, siempre, uno de sus temas preferidos.

Mientras trabajaba en la Black Star , Feininger conoció a Wilson Hicks, que le ofreció un trabajo como freelance en Life, la revista pionera del fotoperiodismo moderno, de la que Feininger fue durante mucho tiempo uno de los fotógrafos estrella, muy conocido por sus famosas fotografías a doble página. Era un perfeccionista absolutamente serio y riguroso, que empleaba objetivos de fabricación propia y cuidaba al detalle la técnica y la elección de los motivos, los temas y los puntos de vista. La exposición muestra un gran número de obras de esa prolífica etapa, en la que compaginó sus dos grandes temas: el retrato de la vida urbana (su belleza, más que sus conflictos) y su particular “anatomía” de la naturaleza, con sus fabulosos primeros planos de insectos, flores, conchas, rocas…

En 1945, Hicks propuso a Feininger volver a escribir sobre fotografía. Hasta entonces éste había publicado algunos artículos en Alemania, y también libros, como el dedicado a Estocolmo, de 1936, o su primer libro de teoría y técnica fotográfica, New Paths in Photography, de 1939. Hasta su muerte en 1999 publicaría más de 50 libros. En 1998 Feininger donó su archivo, sus aparatos, cámaras, revistas y documentos de época, y casi todos sus negativos al Center for Creative Photography de Tucson (Arizona).


Museu d’Art Espanyol Contemporani (Fundación Juan March)
Sant Miquel, 11 (Palma de Mallorca)


Fundación Orange

Un mundo compartido


(hasta el día 28 de abril de 2008)

La Fundación Orange lleva 10 años creando, construyendo y desarrollando diferentes vínculos que permitan mejorar la comunicación entre las personas, con especial esfuerzo en los colectivos con barreras de participación. En el marco de este décimo aniversario, la Fundación Orange está orgullosa de presentar la exposición ‘un mundo compartido’ (un monde en partage), realizada en 2007 por la Fondation Orange en Francia con motivo de sus 20 años de compromiso con la sociedad para favorecer la comunicación en todos sus formas.

La exposición recoge la mirada de fotógrafos de la prestigiosa agencia Magnum Photos sobre los ámbitos de actuación de la Fundación Orange, tanto en Francia como en España, entre ellos: autismo, discapacidad visual y auditiva, analfabetismo, educación de niñas en países en vías de desarrollo y música vocal.
Los autores han captado, desde su sensibilidad, intercambios de gestos, de miradas, de sentimientos, instantes llenos de emoción y otros tantos momentos cotidianos de un mundo compartido.

Del jueves 27 de marzo al lunes 28 de abril de 2008.

Instituto Francés

C/ Marqués de la Ensenada, nº 12 (Madrid)

Entrada libre, de lunes a viernes de 10.30h a 20.00h, sábado de 10.30h a 13.30h.

XXXV Premio Bancaja de Arte Digital

XXXV Premio Bancaja de Arte Digital

CONCURSANTES
Podrán concursar todos los artistas, cualesquiera que sea su nacionalidad o residencia. Los artistas ganadores de ediciones anteriores podrán volver a presentarse y optar a las distintas disciplinas, excepto en aquellas que fueron premiados con dotación económica.

MODALIDADES

Los artistas deberán presentar su obra a una sola de las siguientes disciplinas: Pintura, Escultura o Arte Digital.

REQUISITOS DE LAS OBRAS

La obra deberá ser inédita/original y necesariamente no habrá sido presentada ni exhibida con anterioridad en ningún otro certamen o convocatoria de premios. Este extremo será acreditado mediante declaración jurada.
No se admitirán copias de obras de otros artistas.
El tema y la técnica son de libre elección.
Las obras se presentarán ajustándose a los siguientes formatos:
  • Pintura: las medidas no serán inferiores a 65 cm ni superiores a 200 cm en cualquiera de sus lados y las obras se presentarán sin enmarcar y con bastidor.
  • Escultura: las medidas no podrán exceder de 200 x 120 x 120 cm, ni de 200 kg de peso y estarán realizadas en material definitivo. En esta modalidad será imprescindible adjuntar fotografía de la obra tal y como debe quedar instalada.
  • Arte digital: las medidas no serán inferiores a 65 cm ni superiores a 200 cm en cualquiera de sus lados. Las obras se presentarán en soporte autosostenible, no virtual, y no se aceptarán soportes magnéticos (vídeo) ni digitales (Cd-rom, Web, etc).

PREMIOS
Los premios establecidos son:
  • Pintura:
    Primer Premio: 12.000 euros
    Accésit: 6.000 euros
  • Escultura:
    Primer Premio: 12.000 euros
    Accésit: 6.000 euros
  • Arte digital:
    Primer Premio: 6.000 euros
    Accésit: 3.000 euros
Los premios estarán sujetos a lo dispuesto en la legislación vigente en materia de IRPF.

LUGAR DE PRESENTACIÓN DE LAS OBRAS

Las obras se entregarán en:
  • Polígono Industrial Barrio del Cristo
    Carrer del Mig, Nave F
    (acceso por Avda. Juan Ramón Jiménez, 6)
    Quart de Poblet

Las obras deberán ser entregadas físicamente en el lugar arriba indicado. No se admitirán, por tanto, otras modalidades de envío que obliguen a ser recogidas en ningún otro destino. Los gastos, el seguro de transporte, y los portes de la Aduana (obras que vienen de fuera de la Unión Europea), tanto de envío como de devolución, serán por cuenta del concursante.

DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR

Cada obra irá acompañada del correspondiente original del Boletín de Inscripción, cumplimentando en sus tres cuerpos, el segundo de los cuales deberá ir pegado al dorso de la misma. Se adjuntará además un breve currículo del artista (extensión máxima: un folio por una sola cara) y una fotografía de la obra, que pasarán a formar parte del archivo de la presente edición.
La no-presentación de la documentación solicitada, así como la no-cumplimentación de cualquiera de los campos del Boletín de Inscripción será motivo suficiente para desestimar la obra.

RECEPCIÓN DE LAS OBRAS

El plazo de recepción de las obras será del 1 al 11 de abril de 2008 de 11 a 19 h, en días laborables. Fuera de dicho plazo y horario no se admitirá obra alguna, ni siquiera aquellas que se reciban por agencia de transportes.

La Fundación Bancaja pondrá el máximo celo en el cuidado de las obras recibidas, pero no responderá del extravío, deterioro, sustracción o cualquier otro acto ajeno a su voluntad, de las obras que le sean entregadas, aún cuando este se produzca por caso fortuito o fuerza mayor, siendo de cuenta y riesgo del autor de la obra los daños que por cualquier causa pudieran sufrir las mismas durante su transporte o el tiempo que permanezcan en posesión de la Fundación Bancaja. El concursante podrá contratar por su cuenta la clase de seguro que ampare los riesgos aludidos anteriormente, sin que pueda reclamar a la Fundación Bancaja cantidad alguna por dicho concepto.

FALLO DEL JURADO

El fallo del Jurado, que será inapelable, se hará público el 22 de abril de 2008. Los premios podrán ser declarados desiertos a juicio del Jurado.
El Jurado estará compuesto por destacadas personalidades internacionales del arte y de la cultura cuya composición será hecha pública al dar a conocer el fallo.

ADQUISICIÓN DE OBRAS

Las obras premiadas con dotación económica quedarán en propiedad de la Fundación Bancaja. Los artistas se comprometen a ceder a la misma los derechos de explotación de la obra en sus modalidades de reproducción, comunicación pública y distribución. Dicha cesión se realizará a título gratuito y por un plazo de 3 años.

OBRAS NO SELECCCIONADAS

Para la recogida/devolución de obras no seleccionadas, se atenderá a lo indicado por este concepto en el Boletín de Inscripción. La recogida se realizará del 28 de abril al 9 de mayo de 2008, de lunes a jueves en horario, de 11 a 19 h., en el lugar donde se efectuó el depósito de las mismas.
Vencido este plazo se considerarán abandonadas por su titular, por lo que pasarán a libre disposición de la Fundación Bancaja que podrá disponer de las obras no retiradas en plazo con absoluta libertad.

EXPOSICIÓN E ITINERANCIAS

Las obras seleccionadas serán expuestas del 23 de julio al 31 de julio de 2008 en el IVAM Centre Julio González, dónde se realizará la entrega de premios.
La Fundación Bancaja se reserva la posibilidad de organizar una muestra itinerante, dentro de un plazo de 12 meses a contar desde la clausura de la primera exposición. En consecuencia, y durante dicho periodo, los autores de las obras seleccionadas facultan a la Fundación Bancaja para retener sus obras, al tiempo que le otorgan el derecho de explotación en la modalidad de comunicación pública.

CATÁLOGO

Se editará un catálogo con todas las obras seleccionadas.
El catálogo podrá incluir, total o parcialmente, el texto de los autores seleccionados que se solicita en el apartado de Documentación a Presentar.
La Fundación Bancaja podrá solicitar posteriormente a los artistas seleccionados, para su inclusión en el catálogo, aquella información complementaria que permita ofrecer una visión más completa sobre su obra y su trayectoria.

DEVOLUCIÓN DE OBRAS

Finalizado el plazo de itinerancia, se comunicará a los autores de las obras que en el boletín de inscripción hayan indicado que la recogida se hará personalmente, el lugar y la fecha para proceder a la retirada o devolución de las mismas. Las obras que en su momento fueron recibidas por mensajería o agencia de transporte, y no hayan expresado lo contrario en el boletín, serán devueltas al domicilio indicado siguiendo las instrucciones recogidas en el boletín de inscripción.

DISPOSICIONES GENERALES

La ubicación de las obras a exhibir estará a cargo de la Fundación Bancaja. Esta adoptará todas las precauciones y recaudos para su buena conservación, pero no se hace responsable de un eventual daño, robo o hurto.

Ante cualquier eventualidad la Fundación Bancaja se reserva el derecho de modificar las fechas establecidas en las bases.
Cualquier consulta relativa a la recepción, custodia, devolución, etc... de las obras presentadas al certamen, así como tramitación de posibles incidencias, se deberá gestionar a través del número de teléfono 687872558.
Se informa al solicitante que los datos personales recogidos serán incorporados a las bases de datos de la FUNDACIÓN BANCAJA, responsable del fichero, y serán tratados con la finalidad de atender la solicitud formulada. Los datos recabados han de cumplimentarse obligatoriamente, pues de otro modo no podría ser atendida la solicitud.
El solicitante autoriza expresamente a la FUNDACIÓN BANCAJA para tratar sus datos a fin de remitir a su domicilio publicidad e información sobre actos, conferencias y publicaciones promovidas por la FUNDACIÓN o en colaboración con otras entidades que puedan resultar de su interés.

En cualquier momento, el solicitante tiene la posibilidad de ejercitar los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición al tratamiento, que le asisten, mediante escrito dirigido a la FUNDACIÓN BANCAJA en la siguiente dirección: Plaza de Tetuan 23, 46003 Valencia.

El hecho de concursar supone la plena aceptación de estas bases.

http://
obrasocial.bancaja.es

Francesco Jodice

"The Chaos Theory"

Galería Marta Cervera

Plaza de las Salesas, 2
Hasta el 18 de abril


Ellen Kooi

Ellen Kooi



Ellen Kooi


Entre el 7 de marzo y el 19 de abril, la galería gijonesa Espacio Líquido acogerá la obra reciente de la fotógrafa Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962), en la que será una de las grandes apuestas de su temporada expositiva. Formada académicamente en su Holanda natal, Kooi a lo largo del 2007 ha colgado su obra en París, Nueva York, Bruselas o San Francisco, y cuenta con obra en colecciones públicas o privadas de medio mundo.

En sus fotografías, Ellen Kooi utiliza el paisaje holandés como maqueta sobre la que montar su ficción. Realiza su trabajo con minuciosidad cinematográfica partiendo de un storyboard que desarrolla sobre el terreno. Los iniciales dibujos de estudio se transforman en imagen fotográfica tras una cuidadosa tarea de “montaje” al aire libre. Parte de localizaciones en las que los bosques, el agua del mar o de los canales, la nieve o las hojas de otoño conforman un ideal de belleza natural. Sobre ese ideal coloca sus peones, seres humanos en actitudes inesperadas que aportan el misterio, la incertidumbre y, en ocasiones, el desasosiego al observador. Quizá el mayor logro es alcanzar el equilibrio entre la realidad natural y lo onírico, entre la fascinación y la desazón, logro al que contribuye sin duda el brillante manejo técnico de la luz y la perspectiva.

Un año después de que su compatriota y compañero en Torch Gallery Eelco Brand recalara en Espacio Líquido con sus vídeos e infografías, también marcados por la naturaleza y la confusión entre lo real y la ensoñación, Ellen Kooi realiza su primera exposición individual en España tras las colectivas en el MUSAC leonés y en el CAAM grancanario.

Espacio Líquido
Dirección: C/Jovellanos, 3 Bajo - Gijon
www.espacioliquido.net

sábado, 29 de marzo de 2008

Paula Vaquero Barnadas

Paula Vaquero Barnadas

exposicion
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LLorella


Sala d'exposicions: "La punxa" c/. Santa Eugenia 19 - Girona

del 4/4/08 al 26/4/08

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Las imágenes han estado impresas en nuestro laboratorio sobre DIBOND blanco de 3mm con la impresora DURST RHO - 600
conoce nuestras posibilidades http://www.egm.es
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martes, 25 de marzo de 2008

Christie´s

Desnudos a subasta en Christie's de Nueva York

La foto de Carla Bruni que subastará Christie's. Foto: CHRISTIE'S IMAGES LTD. 2008 / MICHEL COMTE
La foto de Carla Bruni que subastará Christie's. Foto: CHRISTIE'S IMAGES LTD. 2008 / MICHEL COMTE
AFP
NUEVA YORK

Una foto de la exmodelo y cantante Carla Bruni desnuda será uno de los objetos estrella que se someterán a puja en la casa de subastas Christie's de Nueva York el próximo 10 de abril.

La imagen de la primera dama francesa fue tomada por el fotógrafo Michel Comte hace 15 años y muestra a Bruni en una composición que parece inspirada en el cuadro Las modelos, del pintor neoimpresionista Georges Seurat. La esposa del presidente de Francia, Nicolas Sarkozy, aparece totalmente desnuda frente a la cámara y utiliza las manos para ocultar la zona púbica.

Retratos de Kate Moss y Naomi Campbell

La portavoz de Christie's, Milena Sales, ha justificado la decisión de poner en venta imágenes de una primera dama en ejercicio con el argumento de que se trata de "una de las más bonitas mujeres de mundo", que ha dado pie a una fotografia que es "una obra de arte".

"La imagen se tomó en 1993, cuando la señorita Bruni era top model, y es un retrato desnudo de gusto refinado, realizado por un artista famoso y respetable ", ha declarado Sales.

La fotografía forma parte de una colección integrada por trabajos de Helmut Newton, Herb Ritts, Richard Avedon y Leni Riefenstahl, e incluye, entre otras obras, desnudos de las modelos británicas Kate Moss y Naomi Campbell. Christie's prevé que la imagen de Bruni pueda adjudicarse por entre 3.000 y 4.000 dólares (entre 1.900 y 2.500 euros).

www.elperiodico.com/default.asp?idpublicacio_PK=46&idioma=CAS&idnoticia_PK=494579&idseccio_PK=1028&h=

Inge Morath

Exposición Danubio


Exposición Danubio de Inge Morath

Desde: jueves, 06 de marzo de 2008
Hasta: domingo, 06 de abril de 2008

Muestra de fotografías en blanco y negro que la austriaca Inge Morath tomó durante varios viajes a través de los países limítrofes del Danubio, desde los años 50 hasta los 90. La muestra narra la vida de la gente que vive al borde de este río que atraviesa Europa y sirve no sólo de vía de comunicación y desarrollo cultural y económico sino también de factor unificador.


Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón (CCAI)
Direción: C/Jovellanos, 21
Hasta el 6 de abril

Circo Gran Fele

Centro Cultural Galileo (Madrid)


(inauguración 1 de abril de 2008)

VICENTE CERVERA, participa junto con su mujer MATI IRIZARRI en un novedoso proyecto expositivo creado y coordinado por ANTONIO CABELLO, director de Arte Fotográfico, denominado “Circo Gran Fele” que tendrá lugar en el Centro Galileo de Madrid el próximo 1 de abril.

El proyecto contempla la inauguración de tres exposiciones simultáneas: la de Vicente Cervera con fotografías de actuaciones en el circo; la de Mati Irizarri con fotografías de bodegones compuestos por la autora con los objetos facilitados para tal fin por Rafael Plá; y una última de cartelería circense.

También se desplazará a Madrid desde Valencia, un grupo de contorsionistas para actuar en vivo el día de la inauguración.

Centro Cultural Galileo

C/ Galileo, 39 - Madrid

Hiraki Sawa


HAKO

18 enero 2008 – 13 abril 2008

Todo parece estar sumamente tranquilo y quieto en el apartamento Londinense de Hiraki Sawa, escenario habitual de la mayoría de sus vídeos. Sin embargo, la aparente paz y el silencio que se respiran son, de súbito, interrumpidos: los objetos inanimados que allí habitan comienzan a ponerse en movimiento recorriendo recónditos lugares del universo particular que es su hogar. Lo inanimado cobra vida.

FOTO

Es práctica habitual del artista crear situaciones inverosímiles, en las que personajes humanos aparecen, reducida su escala, en los diferentes muebles y estancias de la casa, observando el movimiento de los objetos. Esos humanos, también, en una especie de catarsis colectiva, se ven envueltos en esa frenética e inexorable tendencia a deambular como sonámbulos por los rincones de la casa. Lo mismo ocurre con animales, juguetes… Hiraki les otorga el fantástico don del movimiento. Nada escapa al frenesí, a la locura por moverse. Moverse es vivir.

Fantasía sin límites. Escenas que habitualmente se desarrollan en un determinado lugar, son presentadas en contextos diferentes, donde al mismo tiempo se desarrollan otras totalmente distintas.

FOTOLa sublime imaginación del artista y la gran belleza plástica de las imágenes elaboradas por Hiraki con las herramientas de la animación y el vídeo, nos abducen y nos transportan a su mundo lúdico, dulce e infantil, que resulta difícil abandonar una vez inmersos en él.

Dos de las salas del CAB han sido destinadas a presentar una selección de sus trabajos en vídeo, realizados desde el año 2002 hasta hoy, donde las constantes anteriormente descritas se hacen evidentes. En el tercer espacio, se estrena su obra “HAKO”, una novedosa y soberbia video-instalación de seis canales que el artista ha realizado para las dos instituciones que han colaborado en la ejecución de este proyecto: la Chisenhalle Gallery de Londres y el Centro de Arte Caja de Burgos CAB.

CAB - Centro de Arte Caja de Burgos
Dirección: C/Saldaña, s/n

www.cabdeburgos.com/es/burgos/

FRAN MOHINO

WHO LOVES YOU DEAR?

18 enero 2008 – 13 abril 2008

FOTO
Tras sus apariciones en Madrid, en la Galería Egam y varias ediciones de Photoespaña, el CAB acoge en el nivel -1 una nueva propuesta del artista Fran Mohíno, donde se vierten de modo cohesionado cuatro series de trabajos recientes y lo más nuevo salido de la capacidad creadora del artista, titulado What´s your level?. Todo ello bajo el nombre de “Who loves you dear?” que da título al bloque expositivo resultante.

FOTO

Debajo de todas estas series de trabajos, la mayoría de ellos fotográficos con el apoyo de nuevas tecnologías, está la idea del artista de que los límites físicos del individuo y los no físicos –el perímetro intelectual y espiritual– nos vienen dados por quienes ostentan el poder. Es como una imposición de límites que no nos permite expandirnos o contraernos, que nos mantiene rígidos e inalterables, impidiéndonos disfrutar de nosotros mismos y haciéndonos comportar de una manera “no libre”.

Contra esa imposición de límites (aquí la manida frase “políticamente correcto” parece tener que ver mucho con el mensaje de Fran Mohíno). El artista nos invita a revelarnos y plantea en sus obras una suerte de panegírico visual y textual de las relaciones sexuales y afectivas. El sexo, el orgasmo nos hace perder la conciencia de nuestros límites -incluso corporales-, y es el mejor modo de liberarnos de nuestras propias ataduras.

Resulta curiosa, quizá telúrica, pero de hecho frecuente -no hace mucho Manu Muniategui nos hablaba de ello-, la idea presente en bastantes personas de que la naturaleza, el paisaje, resultan ser escenario propicio para las relaciones sexuales y amorosas. Una invitación al sexo que Fran Mohíno sin duda asume y plasma en sus imágenes fotográficas de la serie Jogging in your garden.

Invitación también al juego, a divertirnos con nuestra propia imagen, a reconstruirla en las series X numbers y The kid of the playpark and his girlfriend, en las que el propio artista juega con las herramientas que maneja. La manipulación a la que somete las imágenes por él tomadas en escenarios naturales no son sino juegos técnicos cuyo resultado son juegos ópticos (en Sounds in your garden las imágenes aparecen modificadas mediante un proceso digital que nos hace creer que algo le ha sucedido al escenario natural). En la nueva serie de trabajos –What´s your level?– queda aún más patente su invitación, ya que es el propio espectador quien puede hacer la pieza a su gusto, como si de un gran Lego se tratase.

CAB - Centro de Arte Caja de Burgos
Dirección: C/Saldaña, s/n
Hasta el 13 de abril

www.cabdeburgos.com

domingo, 23 de marzo de 2008

María Espeus

“El Otro/The Other (El Raval-Barcelona)”
María Espeus


Las fotografías de María Espeus tienen siempre un halo mágico que atrapa el ojo, que envuelven en una red etérea e invisible que nos invita casi de forma imperiosa a detenernos y tratar de descubrir la esencia de lo retratado. Se diría que su mirada sosegada y profunda escudriña el mundo y nos muestra lo que el movimiento nos oculta. Las imágenes que componen el libro El Otro ! The Other se nos presentan como una crónica silenciosa que disecciona el barcelonés barrio del Raval, buceando en su bullicio para sacar a la superficie y mostrarnos las esencias verdaderas que el ruido y las prisas no nos dejan ver.

Durante más de tres años, la cámara de María Espeus ha recorrido sus calles para mostrarnos el vecindario que la fotógrafa habita desde 1989. Limitado por el Paralelo y las Ramblas, el Raval fue antaño un barrio marginal conocido como “Barrio Chino”. Nada había entonces de oriental en él, era más bien una china en el zapato del corazón de una ciudad que le daba la espalda orgullosa y altiva. Con el paso del tiempo y las migraciones, se fue transformando en un lugar emblemático, donde las estampas que remiten a un país añejo se combinan con el colorido y los aromas de nuevos barceloneses provenientes de lugares lejanos.

Con la precisión de un cirujano, María Espeus realiza una disección amorosa y serena de un barrio en permanente transformación. Muchas de las imágenes del libro están tomadas entre las cuatro y las seis de la mañana, con la complicidad del silencio del amanecer. No hay tráfico ni transeúntes apresurados que nos distraigan. La ausencia de ruido realza la verdad callada de lo que a plena luz del día vemos sin ver: un detalle arquitectónico, un escaparate, la ropa tendida en un balcón a la tenue luz de las farolas.

Cual mecenas generosa, Espeus nos invita a adentrarnos en el Raval y descubrir su esencia y su riqueza. Sus imágenes nos descubren los detalles con los que su mirada meticulosa y sensible ha ido construyendo un mapa de su entorno. Junto a los espacios, las fachadas y los escaparates, retrata también personas y objetos que nos dan idea del entramado de culturas y costumbres que lo conforman.

Aislados del contexto, sin nada que distraiga al espectador, casi nos vemos reflejados en las pupilas de esos hombres y mujeres que nos miran desde el papel. Nos sorprende su apariencia, tan distinta a veces a la nuestra, pero sobre todo la franqueza de sus miradas y la sensación de cercanía e identificación. Sus ropas y sus rasgos nos remiten a otras vivencias; su pose desprovista de artificio a la esencia que nos hace tan diferentes unos de otros y, al mismo tiempo, tan iguales. También los objetos, fotografiados en exquisitas naturalezas muertas en el estudio, nos remiten a esos otros que ya son nosotros. Esa col china que se despliega majestuosa en la doble página nos habla en silencio de otros pucheros y otros sabores que ya forman parte de nuestra ciudad.

El Otro ! The Other es una auténtica delicatessen editorial, exquisita por la calidad de sus imágenes, por su medido y delicioso diseño –obra del Estudio Peret– y por una impresión espectacular. Un libro que atrapa el alma de un barrio en constante transformación y cuyas imágenes, como rezan los textos de la solapa, se convertirán en balizas de nuestro recuerdo.


Beatriz San Román



Gran Teatre del Liceu
Dirección: La Rambla, 51-59 - Barcelona
Hasta el 23 de abril

Michael Crouser

Galería Punto Arte

Michael Crouser nació en 1962 en Minneapolis, estado de Minnesota, y se licenció en Literatura por la Universidad de Saint John ( Collegeville, MN )en 1985.

El autor inició su aventura artística a los 14 años cuando, tras montar un cuarto oscuro en la casa familiar, comenzó a fotografiar y revelar fotografías de sus amigos y los eventos deportivos en los que participaban.
Tras licenciarse, trabajó como asistente para varios fotógrafos comerciales, antes de abrir su propio estudio en 1989.

Los toros es una obra que corre paralela a la trayectoria del autor, durante 16 años en Minneapolis.
En 2004 Crouser se aventuró con su cámara en Brooklyn, donde actualmente reside. En estos momentos se halla inmerso en la preparación de varias series, entre las que caben destacar Dog Run, The West y The Alaska Natives.

Galería Punto Arte
Dirección: Enrique Granados, 118 - Barcelona
Hasta el 12 de abril

www.punto-arte.com

sábado, 22 de marzo de 2008

Carlos Pérez Siquier

IMAGINA

Espacio: Conjunto Monumental Alcazaba. Torre del Homenaje
Muestra formada por 14 imágenes en color tomadas en los años 90 en distintos lugares de la provincia almeriense. Se trata de una selección de la obra más característica de Carlos Pérez Siquier realizada durante su participación en el proyecto Imagina, donde las imágenes retratan elementos muy mediterráneos y de un colorido en estado puro. Carlos Pérez Siquier está considerado uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España y cofundador, a finales de los años 50, de AFAL (Agrupación Fotográfica Almeriense) y de la revista del mismo nombre, que sentó las bases de la nueva fotografía documental en nuestro país y aglutinó a una generación de excelentes fotógrafos como Masats, Terré, Cualladó, Ontañón, Miserachs, Paco Gómez o Schommer o Maspons.

Objeto de réplica. La Colección VII

Objeto de réplica. La Colección VII

Desde el 20 de septiembre de 2007 hasta el 31 de agosto de 2008-Sala Sur

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Objeto de réplica. La Colección VII contiene, en realidad, dos exposiciones al mismo tiempo, la una engarzada con la otra, dialogando entre sí y, a la vez, con el espectador que se encontrará sumido en una permanente reflexión acerca de sí mismo y de los tiempos en los que estamos instalados. En un primer nivel de acercamiento es obvio que ésta es una muestra de fotografía, disciplina con un amplio eco en la actualidad y que ocupa un protagonismo esencial en casi todos los aspectos de nuestras vidas: desde la composición biográfica y autobiográfica hasta el conocimiento de los amplios avatares socioculturales y políticos en toda su dimensión. Pero el objetivo de esta muestra también es reflexionar sobre conceptos como el autor y sus derechos, el original, la copia y réplica o la multitud de aspectos que los avances tecnológicos desarrollan.

Desde el 20 de septiembre de 2007 hasta agosto de 2008
Sala Sur

Parece que nos seduce, especialmente, congelar y ver congelado el tiempo, fijarlo y con él a quienes en él habitamos. Da la impresión que en la amalgama de sucesos en movimiento que nos abruman impidiéndonos ver con claridad las cosas, sentir la quietud, el instante parado, el gesto fijado, nos da el respiro necesario para intentar entendernos; para sacar al menos alguna conclusión, en fin, para imaginarnos que tenemos el tiempo suficiente como para ver el mundo tan a cámara lenta que nos parece que se encuentra quieto, como en estas fotografías. Por eso, esta exposición realiza un zoom vital con el ser humano como protagonista y clave de todas nuestras preguntas. Desde los primeros planos de los rostros, lugar donde según Walter Benjamin aún se puede encontrar el último rastro del aura, de la experiencia del artista, coleccionada como objeto fetiche único y que el desarrollo de la técnica ha diluido a base de reproducirlo de multiplicarlo, pasando por un movimiento de alejamiento paulatino del ser humano, de sus acciones y de sus huellas hasta, en un círculo perfectamente vicioso, llegar a las auras eléctricas y misteriosas de la cámara Kirliam.

Asumimos que la necesaria pérdida del aura casi religiosa del objeto artístico a causa del desarrollo tecnológico, es inevitable y necesaria, y aquí entramos en el segundo nivel de esta muestra, ya que los beneficios del acceso universal a las artes, la presunta democratización del goce estético o la desaparición de los límites creativos han dado lugar, como corresponde a la revuelta tecnológica de los dos últimos siglos a intensos debates acerca de concepciones sagradas e inmutables hasta el momento. El objetivo, por tanto de esta muestra, es reflexionar sobre conceptos como el autor y sus derechos, el original, la copia y réplica o la multitud de aspectos que los avances genéticos desarrollan. También pretendemos abordar alegorías que nos hablan de posibilidades infinitas abortadas por los mecanismos del mercado, del museo replicado a causa del arte replicado (y al revés también), en definitiva intentamos enfrentarnos a la intensa contienda conceptual en la que se encuentra sumido el mundo de las últimas artes y, como consecuencia de ello, la propia sociedad. Por ello, la exposición está plagada de guiños que esperamos no escondan, en último término, el disfrute que ofrece la producción fotográfica de estos tiempos.

El relato que puedes ver aquí fue un primer acercamiento al proyecto de esta exposición por lo que ha de leerse como un boceto que apunta parte de los intereses de la muestra. Como buen esbozo contiene partes realizadas, otras sin llevar a cabo y ausencias de aportaciones posteriores, sin embargo consideramos de interés que el espectador de la exposición imagine el proceso de realizar una exposición.

Artium. Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Dirección: Francia, 24
Hasta el 1 de agosto

www.artium.org/museo_exposiciones_a.php#

jueves, 20 de marzo de 2008

Fernando Marañón

Instituto Cervantes

Autor/es: Fernando Marañon

“Reproducir el instante vivo nunca es fácil. He trabajado apoyándome en la fotografía cinematográfica de películas que, muy probablemente, se dibujaron antes de fotografiarse. Es un proceso que recuerda a las muñecas rusas. Para mí no es un duelo entre el hombre y la máquina, sino dos cazadores que con armas distintas van buscando cobrar la misma pieza; y el que va más deprisa muestra al otro el camino”.

Entidades colaboradoras

Museo Casa de la Fotografia de Moscu / Moskovsky Dom Fotografii

Instituto Cervantes
Novinski boulevard, 20a bloque 1-2
121069 Moscú
(RUSIA)