Carlos Saura

"Mujeres y Monstruos"

Hasta el 15/02/2009

©®Carlos Saura

Carlos Saura

(Huesca, 1932) creció en Madrid y a los diecisiete años empezó a hacer fotografías. Se dedicó inicialmente a los estudios de ingeniería industrial, que pronto abandonó para ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas. No obstante, nunca abandonó su cámara fotográfica, que lo ha acompañado a lo largo de su brillante carrera como director de cine, iniciada con la película La caza (1956), un retrato en clave de la sociedad española bajo el gobierno de Franco. Tanto El jardín de las delicias (1972) como Ana y los lobos (1972) y La prima Angélica (1973) son mutiladas por la censura, incapaz de aceptar una obra que simboliza, según su autor, «los tres monstruos de España: la religiosidad pervertida, la sexualidad reprimida y el espíritu autoritario». Tras la muerte de Franco, Saura abandona el tema político. Su trilogía flamenca -Bodas de sangre (1981), Carmen (1983) y El amor brujo (1986)- reelabora historias clásicas y abre una fecunda relación con el bailarín Antonio Gades y su compañía. Otras películas (Ay Carmela!, El Sur, El Dorado, Deprisa, deprisa, Tango, Pajarico y Goya en Burdeos) lo han confirmado como un maestro del cine europeo.

Círculo del Arte de Barcelona, Princesa, 52 - Ciutat Vella
www.circulodelarte.com

Miguel Ángel Sintes Puertas

"Oriente: terrenal y divino"

Del 2 al 18 de Febrero



Reportaje intimista que he realizado a través de 10 años por los países árabes mediterráneos. La exposición se podrá ver en la sala que tiene la Caja Castilla-La Mancha en Cuenca.



Producción
Obra Social Caja Castilla La Mancha

Comisario
Vicente López-Tofiño

Coordinador
Francisco Recuenco

Montaje
Obra Social Caja Castilla La Mancha

Miguel Ángel Sintes

XII Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luís Valtueña

Del 29 de enero hasta el 8 de febrero

La exposición del XII Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luís Valtueña se expone una vez más en La Casa Encendida

Desde el día 29 de enero hasta el 8 de febrero se podrá visitar en La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid la exposición “Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña” que cada año organiza la Asociación Médicos del Mundo.

El certamen de este año, que pone el foco en las “otras crisis”, lo ha ganado el fotógrafo irlandés Andrew McConnell por su serie fotográfica ‘Crisis en Congo’ sobre los desplazados por el conflicto armado en el este de la República Democrática del Congo.

En esta última edición del certamen la lista de premiados la completa el fotógrafo español Víctor Fraile por su serie 'China, hombres-jaula'. Además, Orlando Barría (Chile) ha ganado el premio especial ‘El Cambio climático y sus efectos sobre la salud humana’ con su instantánea ‘Enfrentando al Huracán’ y Aitor Lara (España) ha obtenido el premio especial ‘Integración de las personas inmigrantes: hacia una Europa multicultural’ con su fotografía ‘Calle Montera, Madrid 2008’.

El Premio nació en 1998 con el objetivo de recordar a los cooperantes de la organización (Luis Valtueña, Flors Sirera, Manuel Madrazo y Mercedes Navarro) asesinados en Ruanda y Bosnia y fomentar los valores humanitarios y de solidaridad reflejados a través de la fotografía.

©®Luis Valtueña

Luis Valtueña era fotógrafo de profesión y en España trabajaba como reportero en la Agencia Cover, motivo por el cual este Premio lleva su nombre. .

PALMARÉS DEL XII PREMIO DE FOTOGRAFÍA HUMANITARIA LUIS VALTUEÑA

- PRIMER PREMIO:

-Serie ‘Crisis en Congo’, de Andrew McConnell (Irlanda)

- ACCÉSIT:

- Serie ‘China, hombres-jaula’, de Victor Fraile (España)

- PREMIO ESPECIAL ‘EL CAMBIO CLIMÁTICO Y SUS EFECTOS SOBRE LA SALUD HUMANA’:

- ‘Enfrentando al huracán’, de Orlando Barría (Chile)

- PREMIO ESPECIAL ‘INTEGRACIÓN DE LAS PERSONAS INMIGRANTES: HACIA UNA EUROPA MULTICULTURAL’

- ‘Calle Montera, Madrid, 2008’ de Aitor Lara (España)

Galería fotográfica: 20minutos.es

- Serie fotográfica Crisis en Congo, de Andrew McConnell (Irlanda).

- Serie fotográfica China, hombres-jaula, de Victor Fraile (España).

- Creciendo en Haití, de Alice Smeets (Bélgica).

- Serie fotográfica Serie El terremoto de Sichuan, de Mads Nissen (Dinamarca)

- Serie fotográfica Comunidad Tortuga: La reconstrucción de la inocencia, de Stefano de Luigi (Italia).

- Trabajo manual infantil, de José Carlos Sousa (Portugal)

- Vietnam, de Luis Sánchez Dávila (España)

- Serie fotográfica La última playa, de Francesco Cocco (Italia)

- Serie fotográfica Tuberculosis, una enfermedad de pobres, de Juan Sierra (España)

- Niños sin palabras, de Luca Catalano Gonzaga (Italia).

- Serie fotográfica América, América… de Ivo Sglietti (Italia).

- Niños afectados por la violencia post electoral en Kenia, de Walter Astrada (España)

- Nai, de Lyle Owerko (Estados Unidos de América).

- Serie fotográfica Infancia en Líbano de Olmo Calvo (España)

- Enfrentando al huracán, de Orlando Barría (Chile).

- Calle Montera, Madrid, 2008 de Aitor Lara (España).

La Casa Encendida

Ronda de Valencia, 2. 28012 Madrid

www.lacasaencendida.com

Rineke Dijkstra

Park Portraits
Del 29 de enero hasta el 14 de marzo

©®Rineke Dijkstra. Vondelpark, Amsterdam, June 10, 2005, 2005. C print 152x178 cm. Cortesía de la artista y Marian Goodman Gallery (Nueva York y París)

El último trabajo de Dijkstra, iniciado en 2005, está formado por 13 imágenes de gran formato y se muestra por primera vez en España de forma completa

En Park Portraits Dijkstra retrata a adolescentes durante sus actividades diarias y momentos de ocio. Las fotografías fueron tomadas en parques de varias ciudades de Europa, China y EE. UU.

La serie Park Portraits, que se muestra por primera vez en España de forma completa, consta de 13 fotografías de gran formato que retratan a niños y adolescentes durante sus actividades y ocio diario. La serie, iniciada en 2005, está formada por imágenes tomadas en parques de varias ciudades de Europa, China y Estados Unidos como Barcelona, Madrid, Ámsterdam, Liverpool, Nueva York y Xiamen.

Rineke Dijkstra forma parte ya del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo. El trabajo de Dijkstra es paradigmático de una nueva manera de interrogar la realidad en busca de respuestas contemporáneas sobre la identidad, las relaciones familiares y culturales, la naturaleza y el lenguaje. Sus imágenes equilibradas y neutras son la representación de una falsa simplicidad que no deja indiferente al que se sitúa delante de ellas. Situaciones de calma y estados de extraña armonía en los personajes, descolocan al espectador, que siente cierta incomodidad ante una imagen que inquieta por su fragilidad o por la intemporalidad que interpreta.

En sus diferentes series consigue elaborar una nueva interpretación de la representación del individuo en el sentido clásico. Sus retratos buscan en el presente una expresión clásica, tanto en el aspecto formal como en su contenido. La artista construye, mediante la elección de los lugares que ocupan las personas, lugares que son, en cierto modo, los escenarios para sus fotografías. Dijkstra dibuja y construye estos lugares mediante su encuadre, tanto si son exteriores como interiores. El paisaje entonces es el decorado: proporciona la construcción de la imagen, es el fondo sobre el que se incorpora la figura.

Las composiciones de Rineke Dijkstra responden a un gran clasicismo formal que recuerda en cierto modo al de los retratos de Thomas Ruff o las imágenes de edificios industriales de los Becher. Sus fotografías anteriores partían siempre de los mismos elementos: figuras centrales aisladas sobre fondos neutros. De este modo, no deja que el espectador se distraiga, permitiéndole concentrarse en todos los detalles que definen la identidad de los protagonistas.

Los retratos de Dijkstra son de una gran intensidad psicológica y casi siempre muestran un momento de tránsito en la vida del representado, ya sea una madre que acaba de dar a luz o un niño a punto de entrar en la pubertad. La engañosa simplicidad del trabajo de Dijkstra esconde un gran sentido de la composición y una sensibilidad plástica que conecta con la pintura de Ingres, Rembrandt o de los pintores flamencos. En fotografía los referentes de la artista son Diane Arbus y August Sander. Como en el caso de las fotografías de Arbus, las imágenes de Dijkstra resultan inquietantes bajo una apariencia de normalidad. Como en los retratos de Sander de personas del siglo XX, sus series tienden a la abstracción y al concepto. Rineke Dijkstra crea retratos que nos constituyen ningún ritual de afirmación representativo, sino que dan lugar a un equilibrio en la representación de individualidades, de especificidades correspondientes a determinados grupos y también de generalidades, de una existencia humana universal (frente al nacimiento y a la muerte). Y con ello consigue crear una interpretación muy personal del retrato clásico.

En la época de las poses agresivas, de los gritos agudos, con esta presencia callada, plena, Dijkstra crea una nueva forma de la monumentalidad y una nueva forma de la belleza en el retrato fotográfico. El lenguaje visual que utiliza Dijkstra para indicar lo escondido y lo visible no es retórico, sino modesto en extremo. No obstante, el silencio introvertido que muestran los retratados llega a alcanzar una presencia casi monumental, que atrapa de forma inequívoca al espectador y de la que no es fácil liberarse.

Rineke Dijkstra (Sittard, Holanda, 1959) estudió en la Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam. Durante su carrera profesional ha recibido los premios Citibank Photography Prize (1998), Werner Mantz Award (1994), y Kodak Award Netherlands (1987), entre otros. Ha realizado exposiciones individuales en el Jeu de Paume (París); Stedlik Museum (Ámsterdam, Holanda); Art Institute (Chicago, EE.UU.); the Herzliya Museum of Art, Israel; Caixa Forum (Barcelona); Institute of Contemporary Art (Boston, EE.UU.), entre otros.

LA FÁBRICA GALERÍA
C/ Alameda, 9
28014 Madrid

Salvador Gómez

ALMERIA DE ITINERARTE.

El lugar elegido es la "fabrica" de artistas que es la ESCUELA DE ARTES de la cual partieron todas las exposiciones.

"Cometas de pasión"

Del 27 de Enero al 26 de Febrero

©®Salvador Gómez

Cometas de pasión , para sentir nada más fuerte que el dolor , el dolor de un alambre de espino cuando se clava , lo fugaz de un cometa , y lo duradera de su estela , dejándonos siempre alguna marca o mueca en nuestra galaxia personal, creando nuestro universo de historias y recuerdos ,con un brillo mas fuerte aquellos recuerdos que aunque vividos con pasión son dolorosos ,mi intención es transmitir mis sentimientos a través de mis creaciones y para ello me valgo de los materiales que más se acercan a este propósito , pero siempre como partida la fotografía, a través de la cual expreso lo que mis ojos ven y mi universo personal siente.

Crear sentimientos es la finalidad de mi obra, no tienen por qué ser los mismos que los del autor, pero siempre se intenta encaminar hacia ese punto de partida del cual se ramifican dependiendo de cada persona y su galaxia, siendo una exposición artística un laboratorio de sensaciones, gestos, comentarios e infinidad de actitudes, convirtiéndose en un centro de investigación tanto para el autor como para el visitante. Desgarrador el alambre de espino para todo aquel que osa rebasarlo, infinita la fuerza del cometa que pasa a miles de kilómetros de nuestro planeta, duradera su estela que pervive con el paso del tiempo dejando pequeñas motas espinadas. Salvador Gómez Sánchez.

La fotografía está muy marcada y encasillada, pero siempre esos límites tan rectos se pueden rebasar, siendo esta última el motivo principal de lo que mostramos pero acompañándose de otros elementos que hacen el todo en una obra. La interrelación en una obra de varios elementos nos hace pasar de ver en un plano, (como es una fotografía) a ver varias dimensiones, (fotografía y objetos) dando una nueva sensación que pasa por un dialogo entre esos nuevos elementos junto con la fotografía y el observador de la misma, surgiendo multitud de preguntas sobre esa relación de materiales, y que inquieto pensamiento ha llevado al autor a unirlas. La necesidad de expresar lo que se ha sentido o se siente al hacer una fotografía , es mi principal argumento para esa unión de materias, siempre sensaciones, puesto que al final es lo que buscamos en todo, incluso inconscientemente.

Búsqueda que nos lleva a intentar transmitir con nuestra obra los más diversos mundos, a veces oníricos, pero siempre intentando dejar huella en las personas que contemplan mis creaciones, y para ello nada mejor que trabajar en varios planos de las sensaciones, no solo en el visual si no también en el emocional y así formar una simbiosis entre el observador y la creación.

Plaza Pablo Cazard 1, Almeria.

Paul Strand

"PAUL STRAND. RETROSPECTIVA 1915-1976
Hasta el 04/04/2009

©®Paul Strand

La obra de Paul Strand, uno de los maestros indiscutidos de la fotografía, se anticipó a muchos de los logros en el arte del siglo XX: su “fotografía directa” se considera precursora de movimientos como la Nueva Objetividad. Strand es además, autor de algunos de los retratos más célebres de la historia de la fotografía que muestran la gente anónima y humilde de la Norteamérica más diezmada por el crack del 29 y de la Europa de la posguerra.

La exposición Paul Strand. Retrospectiva 1915-1976, comisariada por Rafael Llano, ha sido producida por la Fundación Pedro Barrié de la Maza, y se presenta en Foto Colectania tras haber sido mostrada en las sedes de la Fundación Pedro Barrié de la Maza en España (A Coruña y Vigo). Ambas fundaciones agradecen la colaboración de Aperture Foundation de Nueva York, una organización sin ánimo de lucro dedicada a la fotografía y a las artes visuales, y del Philadelphia Museum of Art, prestatarios de las obras.

La muestra está acompañada de la publicación Paul Strand. En el principio fue Manhattan, (edición de la Fundación Pedro Barrié de la Maza) que incluye más de un centenar de imágenes, así como un extenso ensayo que viene a suplir la ausencia de investigaciones sobre el fotógrafo en nuestro país.

Esta exposición reúne por primera vez en España 75 fotografías originales (la mayoría copias de época), realizadas entre 1915 y 1976, en lo que constituye un recorrido por las distintas etapas artísticas y temáticas de la trayectoria de Paul Strand".

Fundació Foto Colectania, Julián Romea, 6, D2 - Barcelona
www.colectania.es

La red social de Caja Madrid ha abierto un espacio de participación para jóvenes artistas en Facebook, la mayor red social on line. Y ya son más de 1.600. ¡Infórmate!

La promoción del arte joven y de los nuevos creadores es una de las líneas fundamentales de trabajo de Obra Social Caja Madrid, que se manifiesta a través de programas como Generaciones, Inéditos, los Premios de Narrativa o Ensayo o La Voz + Joven. Además, durante el 2008 Obra Social Caja Madrid apuesta por internet como medio para potenciar el intercambio de experiencias, conocimientos e inquietudes entre un colectivo en permanente evolución. Por eso, ha creado una página de encuentro en Facebook en la que ya hay dados de alta cerca de 1.000 jóvenes artistas de toda España.

El espacio que Obra Social Caja Madrid ha creado en facebook cumple dos objetivos.

• Dar a conocer los proyectos y programas de Obra Social Caja Madrid para el colectivo
• Ofrecer una plataforma de comunicación a los creadores, un sitio en el que pueden compartir sus obras, fotos, videos, proyectos, etc

Además de esta página en Facebook, Obra Social Caja Madrid acaba de poner en marcha un blog de arte joven http://www.creacionjoven.com, que recoge las últimas tendencias en pintura, diseño, cine, teatro, danza, etc. Todas estas acciones forman parte del plan de acercamiento de Obra Social a los nuevos medios y a los nuevos públicos de la llamada web 2.0, cuyo lema es "Ya tenemos la web social, ahora hagamos más social la web".

www.obrasocialcajamadrid.es

Virgilio Núñez-Cacho

Del 30 de enero al 11 de febrero de 2009

Virgilio Núñez-Cacho expone una amplia muestra fotográfica del trabajo realizado fundamentalmente en 2008.

©® Virgilio Núñez-Cacho

Centro Cultural Blas de Otero

Alexandre Rodtchenko

El juego de la mujer
Hasta el 22/03/2009

©®Alexandre Rodtchenko

El Espacio para el Arte Zaragoza presenta la exposición de fotografía El juego de la mujer, obra de uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta, Alexandre Rodtchenko (1891-1956), una de las principales figuras del constructivismo, conocido internacionalmente por sus elaborados fotomontajes propagandísticos del nuevo régimen soviético y su intenso trabajo fotografiando a las mujeres de su época, pertenecientes a su círculo íntimo o bien heroínas de la revolución bolchevique.

Espacio para el Arte Zaragoza

Cincómonos espai d'Art

Desde el 16 de abril hasta el 16 de mayo Cincómonos Espai d'Art organiza la cuarta convocatoria de fotografía.

Cincómonos espai d'Art - Consell de Cent 283 - Barcelona
cincomonos@cincomonos.org

Cecilia de Val

“Nunca te prometí un jardín de rosas”

Hasta el 28 febrero 2009

©®Cecilia de Val

Cecilia de Val (Zaragoza, 1975) es una artista polifacética a la vez fotógrafa y cantante, ambas por vocación. En sus fotografías Cecilia se autorretrata como una heroína moderna que modela a su antojo sus aventuras y los espacios en los que transita, suerte de bosques encantados, decorados de películas de ciencia-ficción y arquitecturas periféricas.

Otras veces, una Cecilia desdoblada, como recortada de un cuento infantil, se aventura en sueños silenciosos de dolor, traición e intrigas. El cruce de géneros como la literatura de ciencia-ficción, el relato corto, el cine fantástico, el cómic y la pintura renacentista produce imágenes perturbadoras y movedizas, casi inasibles, en los límites del subconsciente. La temática de su discurso cuestiona la individualidad y la identidad por medio de sus opuestos, la multiplicidad y el doble. Como decía Borges, “nos acecha el cristal. Si entre las cuatro paredes de la alcoba hay un espejo, ya no estoy solo. Hay otro.

Hay el reflejo que arma en el alba un sigiloso teatro.” Cecilia sabe que la belleza atrae y asusta casi en igual medida y juega con ello. Lejos de las instantáneas que atrapan un momento fugaz, sus fotografías son historias tejidas de instantes eternos en las que lo cotidiano se convierte en fantástico.

Por otra parte, el juego de roles de Cecilia como directora, personaje principal y creadora de sus imágenes le concede una libertad inusitada para expresar una visión femenina y feminista en la que nos vemos proyectados de manera virtual.

camara oscura galeria de arte
c/ Alameda, 16, 1º B
28014 Madrid

Alberto Ruiz López

Hace poco un alumno de fotografía de la Universidad Juan Carlos I , Javier López, se puso en contacto con el fotógrafo Alberto Ruiz López, estaba realizando un trabajo sobre su obra.

Hoy le he solicitado a Alberto esa entrevista para subirla al blog, espero que os parezca interesante.

©®Alberto Ruiz López

Entrevista a Alberto Ruiz López por Javier López:

1. ¿Qué es lo que le hizo decidirse por la fotografía en el ámbito profesional? Desde muy pequeño me ha gustado la fotografía, los grandes maestros como Ansel Adams y Franco Fontana. .. Estando en la universidad me compre una Nikon 301 y todo empezó como un juego (fotos a mis compañeras y a la familia), continuo como un vicio (viajaba a todas partes con la cámara, lo inmortalizaba todo) y acabo como una profesión (ya que empecé trabajando como foto fija en los 90 al mismo tiempo que estudiaba Imagen y Sonido). En 2003 funde Alberto Ruiz Estudio, dedicándome de pleno a la fotografía. Tras muchos años me di cuenta de que la fotografía era lo que mas me gustaba hacer, me permite viajar, es un trabajo creativo que me llena, en el que cada día aprendo algo nuevo.

©®Alberto Ruiz López

2. ¿Qué intenta expresar o hacer llegar al público con sus fotografías? Yo amo la naturaleza me trasmite sentimientos, en algunos casos paz en otros intranquilidad. Hay veces que me siento a oler a sentir, observo y el mismo paisaje me traslada a mundos paralelos y son estas sensaciones las que pretendo trasmitir. Se que cada persona entenderá mi fotografía de una manera diferente, tendrá una percepción distinta pero mis obras intentan no dejar impasible al espectador.

©®Alberto Ruiz López

3. He observado en sus fotografías acerca de paisajes que predomina, en ocasiones, el empleo del blanco y negro ¿con qué finalidad? El blanco y negro pertenece a una etapa de mi fotografía (del 2004-2006), cuando veía un paisaje, lo veía para blanco y negro. También trabajaba mucho la panorámica. Siempre he pensado que mis circunstancias personales y profesionales influyen mucho en mi fotografía. De 2006 a 2007 hubo una transición importante formatos y una discreta inclusión del color en mi paisaje. En 2008 casi toda mi obra es en color, me parece que la evolución en el trabajo personal es muy importante.

©®Alberto Ruiz López

4. En la serie acerca de arqueología industrial, ¿qué intenta transmitir y con qué fin? Arqueología Industrial es un proyecto realizado en Córdoba en 2007. Alguien me hablo sobre un lugar con esas características y decidí visitarlo. Es impresionante poder fotografiar un sitio como ese. Pasear entre edificios que tuvieron una historia, que fueron importantes en la Industria de los años 60-70 y ahora están abandonados casi destruidos con el paso del tiempo. Me parecía importante mostrar la belleza del lugar devolverle su importancia, una ventana que mira hacia el fututo y hacia el pasado al mismo tiempo, un edificio cuya sombra sigue permanente en el paso de la historia,…

©®Alberto Ruiz López

5. ¿Qué técnicas suele emplear a la hora de llevar a cabo su obra? Trabajo tanto en Analógico como en digital, todo depende de la producción, el tiempo y el presupuesto. Siempre hago la postproducción en digital, me es más cómodo que el laboratorio y siempre me han gustado las nuevas tecnologías. Es cierto que el blanco y negro me gusta más realizarlo en película (el digital en muchos casos “canta a digital”). De todas formas siempre seguiré aprendiendo y pretendo probar todas las nuevas tecnologías que vayan surgiendo. Las técnicas son algo que utilizar en tu beneficio, pero lo importante es el ojo y la sensibilidad del artista, pienso que la técnica es un medio para crear la obra.

©®Alberto Ruiz López

6. ¿Con cual de sus obras se siente más identificado? No podría elegir una, todas forman parte de búsquedas personales, de sentimientos, de visiones. Todas me has dado algo y todas significan algo para mi.

Clemente Bernard

Sestao Photo 2009

“El sueño de Malika”

Del 9 de Enero al 7 de Febrero



Sala de Exposiciones de la Escuela de Música (Gran Vía, 13)

Horario: Laborables 12:00-14:00 / 17:00-21:00

Sábados: 12:00-14:00

CHARLA

9 de enero a las 19:30 horas charla del autor titulada "La trampa del fotoperiodismo”.

TALLER FOTOGRAFICO

“Fotoperiodismo: usos y abusos”

Días 10 y 11 de enero. El taller de Clemente Bernad pretende reflexionar sobre la actividad fotográfica y sobre los diferentes usos de las imágenes, tanto en sus soportes tradicionales como en los más novedosos. En él se analizarán diversos aspectos de la situación actual de lo fotográfico, con un énfasis especial en el llamado fotoperiodismo y sus derivados.

Finalmente visionará y comentará la obra de aquellos participantes que lo deseen.

Precio del taller 40 euros. Plazas limitadas. Interesados enviar solicitud de inscripción a:

colectivo.i2Photo@gmail.com

PROYECCIONES

El 23 de enero a las 19:30 horas tendrán lugar en el Salón de Actos de la Escuela Municipal de Música una serie de proyecciones del trabajo tanto de fotógrafos de reconocido prestigio como de nuevos talentos emergentes.

Eduardo Arrillaga: “El vuelo de la Chichigua”

Santi Ayuso: “Soledades”

Teo Barba: “El ladrillo ha muerto”

Carlos Cánovas: “Paisajes en el límite”

Ricardo Casés: “La caza del lobo congelado”

Juan Manuel Castro Prieto: “Extraños”

Juan Manuel Díaz Burgos: “Bienvenidos a la Boca”

Garaje Lux: “Punta Begoña, miradas interiores"

Pablo López García del Moral: “Sin título”

Damián González: “Toros”

Iñaki Izquierdo Muxika: “Sestaon biziz”

Jorge López: “Hijos de Chernobil”

Adolfo Pérez: “Baso bihotz/Energías del bosque”

Endika Portillo: “Coda”

Apur batean SOKA DANTZA

Hasta el 01-02-2009



Dicen que el tiempo no pasa en balde ?.......

“ Me pregunto si vamos en la dirección correcta “......

Hoy me atrevo a concretar una idea que a lo largo de un tiempo ha dado vueltas en mi cabeza .

.........Necesito comentar los elementos fundamentales de este trabajo .

Estos elementos son tanto materiales , culturales como creativos.

Los elementos materiales son , telas , colores , pinceles , cámaras, papeles , lienzos etc.. y los utilizo como medio para comunicar .

Los elementos culturales en un sentido amplio , son los instrumentos necesarios para la actividad artística y se pueden definir como bagaje de los conocimientos , estudios y experiencias de la vida . Esta unión ha sido la base del desarrollo de este trabajo.

La preparación cultural , en este sentido también abarca la capacidad de concretar sintetizar o definir de una manera original el contenido y la forma de una obra.

Las etapas de realización de una obra :

En el aspecto creativo la concepción es sin duda para mi la mas importante , luego esta la realización , bocetos , pruebas de color etc. Y la decisión de el material ha utilizar para plasmarlo.

En cuanto a la concepción es la parte que mas tiempo ha llevado , desde el principio quería salir con un trabajo que hablara de nuestro pueblo , un trabajo con e l que atraer la atención del espectador , algo que me haría reaccionar de forma positiva y bajando a la plaza los 24 de agosto me vino la idea “ Soka Dantza”.

Ya tenia la idea ahora comenzaba la realización , durante 2 años fotografié la Soka Dantza .

Acumulado el material comencé a trabajar en lo que ahora es la exposición.

En cuanto a la forma y materiales utilizados para plasmarlo decir que he utilizado desde las cosas mas rudimentarias hasta lo mas sofisticado en técnicas de ultima generación digital .

Al aspecto cultural le he dado mucha importancia el folklore en Euskal Herria es muy rico , tiene color y detrás mucha gente que hace un trabajo excepcional con la conservación de nuestras raíces.

Los importantes son esas mujeres y hombres que con el trabajo de cada día mantienen en pie nuestra cultura desde aquí mi agradecimiento y animo a todos ellos y en especial para Haritz Euskal Dantzari Taldea .

Dicen que el tiempo no pasa en balde ?.......

“ Me pregunto si vamos en la dirección correcta “.......

Supongo que no siempre...

He querido con esta pequeña aportación en forma de exposición concretar una idea ,

apur batean SOKA DANTZA , unir la danza con la fotografía utilizando diversos estilos dentro de la fotografía .

Espero haberme acercado .

Iñaki san Martín ( 1 de Noviembre del 2008 )

www.fotografiasoarte.com

Sala de Exposiciones Juan de Lizarazu - Guipúzcoa

Luis Azanza

Instantes Minimos

Hasta el 31-01-2009

©®Luis Azanza

El misterio que se esconde en lo banal caracteriza las imágenes que el fotógrafo Luis Azanza (Pamplona, 1961) expondrá a partir del 9 de enero en la Galería Contraluz bajo el título “Instantes Mínimos”.

Organizada por la Agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra, la exposición recoge pequeños gestos anónimos en los que cualquiera puede reconocerse independientemente de su procedencia geográfica o contexto cultural. Como asegura su autor: “No importa que el día sea de labor, una fiesta religiosa o pagana, hay momentos en los que el tiempo discurre despistado, ni lento ni rápido, íntimo incluso entre la muchedumbre. Entonces todo parece más simple”.

Galería Contraluz - Rio Urrobi Nº 3 - Pamplona

Imeldo Bello

Retratos: 1970 - 2008

Hasta el 03/02/2009

©®Imeldo Bello

…Heredero de quien profesó el amor por la obra bien hecha, Imeldo no puede reprimir su inconformismo. Es una rebeldía incontrolada la suya, manejando a su antojo las técnicas avanzadas, exprimiendo los errores hasta moldear los rostros y producir una suerte de escultura
fotográfica…

…Hay una visión óptica propia. Es lo esencial. Es meterse en la faz misma hasta plasmar el gesto y doblegar el rictus. Imeldo se siente más pintor que fotógrafo pero la escala cromática de esta entrega permite elevarse a niveles de auténtico surrealismo gráfico…

…Claro que son filigranas las que elabora sin sutilezas sobre las texturas fotográficas. Aquí hay mucho de experimentación, son hallazgos los que inducen al autor a recrearse en los resultados de sus disparos, hechos a conciencia sin saber muy bien cuál ha sido el definitivo…

Salvador García Llanos

Instituto de Estudios Hispánicos de Canarias, Quintana Puerto de la Cruz 922 Canarias

www.iehcan.com

Espacio de lectura 1: Brasil

11/02/2009 - 10/06/2009

Invitación a la exposición "fotografia alèm da fotografia 1972-2008" de Anna Bella Geiger, celebrada en el Paço Imperial, Rio de Janeiro del 10 de octubre al 23 de noviembre de 2008

Coincidiendo con la exposición de Cildo Meireles, el Centro de Estudios y Documentación presenta una panorámica documental sobre Brasil que reúne materiales procedentes, en su mayoría, de los fondos del propio centro. Para esta selección, la documentación que se presenta se ha agrupado de acuerdo con diversos ejes en función de su tipología y sus contenidos. Así, además de una selección dedicada a Cildo Meireles, que incluye no solo bibliografía sobre su obra sino también ejemplares de la revista Malasartes, fundada por Meireles y de la que solo llegaron a editarse tres números (entre septiembre de 1975 y junio de 1976), se exponen algunos libros de gran relevancia en relación con el movimiento de la poesía concreta brasileña; una selección de catálogos de muestras individuales y colectivas; numerosas publicaciones relacionadas con las bienales de arte de Río de Janeiro y São Paulo, y también revistas, libros especiales, carteles y otros materiales efímeros que ilustran la escena artística de Brasil a lo largo de las últimas décadas.

MACBA Plaça dels Àngels, 1 08001 Barcelona

Manuel Falces

Fondos del Centro Andaluz de la Fotografía Hasta el 31/03/2009

©®Manuel Falces

Manuel Falces (Almería, 1952)

Profesor de Técnica y Estética de la Fotografía en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, hasta 2006 fue director del Centro Andaluz de Fotografía (Almería), centro que él puso en marcha en el año 1992.

Su trabajo de investigación se ha centrado en teoría, práctica e historia de la fotografía, especializándose en fotografía de arquitectura.

Desde 1974 viene realizando un amplio trabajo de recopilación de interiores y tipologías. Se ha ocupado también de la interacción de la fotografía con otros lenguajes y, desde mediados de los ochenta, trabaja en la digitalización de imágenes. Fruto de su interés en la relación que mantienen las obras de arte con el espacio es su ensayo A propósito de arquitectura y pintura, en el que estudia la integración de las obras de Antonio Saura, Miquel Barceló, Luis Gordillo, Lucio Muñoz, Albert Rafols-Casamada y Jordi Teixidor, entre otros, en la arquitectura contemporánea".

El tiempo de las cosas: 1983-2008

Hasta el 01/03/2009

Toni Catany

(Llucmajor, Mallorca, 1942) es un autor que sin aspavientos ni artificios, consigue transmitir emociones, historias que hablan de él y de todos nosotros. Consigue superar sin mácula la escasa sinergia que existe entre escritura visual y abstracción de los sentimientos.

Y todo dentro de los formatos y temas más convencionales de la fotografía, dentro de los territorios más transitados históricamente de la producción fotográfica y del arte. Ahora que estas cosas no están de moda, que no se llevan, Catany viene a darnos la lección, una vez más, de que la creación y su comunicación no son tanto un problema de modas o géneros, sino de sensibilidad, de humanidad, de intensidad y de gozo.

Nos dice con claridad que las historias que viven en nuestras conciencias entre las luces y las sombras son importantes cuando son sentidas, cuando son verídicas; y que la manera de transmitirlas debe estar desprovista de todo lo coyuntural y anecdótico, de todo lo ajeno e innecesario.

Una vez más el arte es quitar y quitar y quitar. Esencializar, con intensidad con respeto y con amor. Catany trabaja con gran economía de medios. Prescinde de todo lo accesorio para usar sólo lo necesario, lo que no deja de ser paradójico ante la complejidad visual de los resultados que obtiene. Esto nos habla de un creador innato e intuitivo que tiene muy claro y preciso su objetivo.

Centro Cultural Las Claras de Murci, Av. España, s/ n, Murcia

www.webmurcia.com

WALKER EVANS

Del 15 de Enero al 22 de Marzo de 2009

'Camión y letrero', 1930. Gelatina de plata. Copia de época Colección particular. © Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art

Desde el 15 de enero al 22 de marzo de 2009 se podrá visitar, en la sala de exposiciones de
FUNDACIÓN MAPFRE, una completa retrospectiva del fotógrafo norteamericano WALKER EVANS (1903-1975), considerado como uno de los referentes de la fotografía contemporánea.

La exposición está compuesta por más de un centenar de extraordinarias fotografías (vintage),
realizadas en gelatina de plata, que proceden de los fondos de la que sin duda es la principal colección particular de obras del fotógrafo, y documenta ampliamente todas las etapas de la trayectoria de Evans.

Su obra está lejos de lo que se consideraba arte en fotografía, estatus por el que sin embargo los fotógrafos llevaban décadas luchando aunque por el equivocado camino del sentimiento y la belleza evidentes. Precisamente es la obra de Evans la que culmina esa evolución formal mediante la ruptura, con un estilo que vino a llamarse documental, que miraba a los hechos directamente, y estaba pensado para representar las cosas en relación a sí mismas, aparentemente sin intervención, de una manera precisa, sin emociones ni tendencia a la idealización. En resumen, como puros documentos que minimizan sus cualidades estéticas. Por primera vez, la fotografía como obra de arte podía tener la misma apariencia que cualquier otra fotografía y mostrar cualquier cosa, desde una habitación paupérrima y desolada de Alabama hasta un pasajero del metro de Nueva York ensimismado en sus pensamientos. La cualidad artística estribaba únicamente en la claridad, la inteligencia y la originalidad de la percepción del fotógrafo.

Este nuevo estilo directo que se nutre de temas a veces agresivamente ordinarios, que elimina las barreras entre lo bello y lo feo, lo importante y lo trivial, será el que en la década de los treinta facilite la penetración de la estética moderna en la fotografía americana y, a la larga, el que proporcione las herramientas básicas a otros muchos fotógrafos y artistas de las generaciones siguientes para construir su obra. Pero con su aparente frialdad podía resultar un estilo inmensamente rico en contenido expresivo, capaz de encontrar poesía y complejidad en los recursos internos de la tradición americana, evitando todo romanticismo, sentimentalidad y nostalgia. Por fin aparecía una alternativa duradera a la tradición.

Unos años antes, la mirada inédita y renovadora de Atget, cuya obra conocía y admiraba profundamente Evans, ya había introducido de manera más o menos sutil esa fisura, en la que ahondará la fotografía contemporánea, entre el documentalismo de autor y la simple fotografía que aplicaba la propia tradición descriptiva del medio. Sus puntos de vista poco convencionales, a veces sesgados, para mostrar mejor un detalle o el conjunto dentro de un contexto, los descentramientos de la cámara, influirán de manera decisiva en Evans. Como decía Lincoln Kirstein en American Photographs (1938): “El ojo de Evans es el ojo de un poeta” y no en vano la modernidad de Evans, en la línea del estilo descriptivo objetivo de Flaubert, no procede tanto del ámbito de las artes plásticas sino del de la literatura con la que se identificaba y a la que aspiraba
desde su formación: Flaubert, Baudelaire, Joyce, Proust o James se encuentran en ese cruce de caminos entre un arte cada vez más conceptual y una literatura cada vez más visual. Artistas y escritores estaban descubriendo que la vernácula América era su territorio de innovación y Evans contribuyó a la creación de esa imagen por la que América se reconoció a sí misma.

Fundación Mapfre - Avenida General Peron 40 - Madrid

“Entre Terre et Mer”

Del 16 de febrero al 27 de marzo

Exposición: “Entre Terre et Mer”

Exposición de fotógrafos franceses y españoles sobre los litorales francés y español.

Esta exposición quiere mantener o suscitar un alto nivel de exigencia y de atención, por parte de todos los responsables políticos y administrativos, de los habitantes y de los visitantes que construyen el futuro de este patrimonio codiciado, cuya protección conviene asegurar y cuyo encanto conviene preservar en beneficio de todos.

El Conservatoire du littoral (www.conservatoire-du-littoral.fr) es un organismo público francés creado en el año 1975 para llevar, conjuntamente con las entidades locales, una política territorial cuyo objetivo es proteger de manera definitiva determinados espacios naturales y paisajes franceses que se encuentran a orillas del mar y de los lagos. Hoy en día, el Conservatoire du littoral es propietario de casi 1000 km de litoral, más del 11% de las costas de Francia.

Su objetivo es de transmitir a las generaciones futuras, y con una proyección de hasta al menos el año 2050, un patrimonio natural, terrestre y marítimo, que representa el "tercio salvaje" de las costas de la Francia metropolitana y de ultramar.

Colección patrocinada por la "Fondation Gaz de France".

Desde hace más de 20 años, gracias al mecenazgo de la Fondation Gaz de France, el "Conservatoire du littoral" invita a fotógrafos creadores a visitar los terrenos que supervisa. La libre expresión de estos artistas representa para todos una manera de descubrir los paisajes y una renovación de la idea que nos hacemos de ellos.

Esta exposición presenta una selección de obras de Frédéric Bellay, Alain Ceccaroli, Sabine Delcour, Raymond Depardon, Harry Gruyaert, Josef Koudelka, Bernard Plossu.

La mirada de estos artistas es un elemento irremplazable de la memoria de los lugares fotografiados y un material particularmente interesante para explicar la diversidad de las percepciones del paisaje.

EFTI (www.efti.es) nace como escuela en el año 1987. Desde su fundación adquiere el compromiso de potenciar todo lo relacionado con la fotografía, haciendo de ello su única disciplina. Con el propósito de crear un espacio vivo, donde la enseñanza se combine con un lugar dedicado a Exposiciones y a múltiples actividades relacionados con la imagen fotográfica. EFTI trabajo con instituciones como el Museo Reina Sofia, Grupo Recoletos, Agencia Internacional de Noticias EFE, diversos organismos oficiales así como el Ministerio de Educación y Cultura para la formación de su personal docente en sus ciclos oficiales.

En el marco de esta exposición cuatro fotógrafos propuestos por EFTI presentarán una selección de sus obras: Carlos de Andrés, Ricky Dávila, Fernando Herráez, Eduardo Momeñe.

Galería del Institut Français de Madrid
C/ Marqués de la Ensenada, 10

Alberto Díaz, Korda

El Korda menos conocido

Hasta el 25 de enero

©®Korda

200 fotografías, en su mayoría inéditas, componen la muestra del autor de la más mítica imagen del Che: Alberto Korda. Con Conocido Desconocido que podrá visitarse desde el 12 de diciembre hasta el 25 de enero, Casa de América repasa la historia entre 1956 y 1968 en las imágenes de un cubano que retrató mucho más que la Revolución.

La comisaria de esta exposición, Cristina Vives, inaugurará la muestra fotográfica el jueves 11 de diciembre. Para ella, estas imágenes que son en su mayoría inéditas o vistas por primera vez a negativo completo, “recorren la Historia y excluyen intencionadamente aquellas tan conocidas que se han convertido ya en lugares comunes al hablar de su obra”.

Liberar al fotógrafo cubano de la mundialmente famosa imagen del “Che”, es casi un imposible, pero sí ampliar su registro acercando fotografías seleccionadas entre miles de fotogramas de Korda, así como archivos personales de multitud amigos y también de colaboradores.

Korda, Conocido Desconocido es una exposición basada en el libro del mismo nombre en el que las imágenes, al igual que en la exposición, se aglutinan en torno a cinco secciones temáticas: Studios Korda, los líderes, el pueblo, la mujer y el mar.

©®Korda

Korda y el mundo de los corales

Pocos conocen que Alberto Díaz, Korda, autor de la foto del Che que ha dado la vuelta al mundo y llegado a constituir un símbolo de protesta universal, identificándose con las ambiciones y sueños de la juventud en todas partes, fue responsable de fotografía subacuática en el Instituto de Oceanología de la Academia de Ciencias de Cuba hacia fines de los años 60.

Menos aún saben que estuvo a punto de perecer en las fauces de un tiburón blanco cuando a penas le quedaban cinco minutos de aire comprimido en el aqualung. "Es la única vez que sentí miedo porque ya llevaba cerca de media hora a la entrada de una cueva y el mako intentaba penetrar cada vez que me movía", comentó.

Coincidimos en muchas actividades públicas y llegamos a tener amistad mutua porque admiraba su inclinación por la aventura, su amor por los carros deportivos, su pasión por la composición y el diseño, y su indeclinable atracción por las mujeres como expresión suma del arte. Lo estimaba también, sobre todo, por su audacia y honestidad, por su sentido ético de la vida, que defendió siempre con gran valor y sin temor a las consecuencias. La lealtad a toda prueba fue también una de sus características.

Yo ignoraba que el haberle acompañado a investigar un pecio del siglo XIX cerca de la ensenada de "María La Gorda" en la península de Guanahacabibes, Pinar del Río, una de las pocas zonas naturales y reservadas del país, me traería como premio la oportunidad única de presenciar en su habitat y en todo su esplendor la vida secreta de los corales cubanos.

Como los cuadros impresionistas

Korda me contó que estaba participando en un proyecto científico que tenía como objetivo elaborar un atlas de los corales cubanos, el cual tardaría unos cuatro años, bajo la dirección del Dr. Vasily Slatarski, director de Sistemática de la Academia de Ciencias de Bulgaria. Se trataba de un bojeo a la Isla, sólo que debía hacerse en forma exhaustiva y bajo el agua. Cuba sería el primer país del Tercer Mundo, quizá incluidos países desarrollados, en contar con un conocimiento completo de carácter científico de la vida de los arrecifes tropicales. Y todavía la Academia de Ciencias de Cuba estaba en proceso de formación.
El primer problema surgió por contradicciones sobre la creatividad y el sentido de la plástica. El investigador búlgaro exigía atenerse estrictamente a las reglas técnicas del trabajo científico, el cual consistía en fotografiar los corales en blanco y negro dentro de ciertos parámetros rigurosamente establecidos.

Korda, por su parte había hecho una cuestión de principios que se le permitiera, además, retratar cada ejemplar en diapositiva a color, acorde a una composición variable determinada por un formato artístico. Era doble trabajo, pero Korda estaba dispuesto a asumir el esfuerzo, cosa que no entendía ni el Instituto ni el técnico extranjero, que al fin aceptaron la transacción ante la alternativa de buscar otro fotógrafo para el proyecto.

El punto crucial era que ante la luz del flash el coral, que es un cuerpo vivo, produce una inverosímil explosión de colores puros, sólo comparables a las pinturas de los impresionistas franceses, en particular Van Gogh y Gauguin. Esto daba a cada coral la categoría de una obra plástica de valor único y formato exclusivo. Allí estaban el rojo, el verde, el azul, el amarillo intensísimos como no podían hallarse en la paleta de un enamorado del color absoluto.

El sentido de la belleza

Korda era un artista y ejercía el concepto de la belleza sin límites impuestos por un metier determinado. Sabía de modelaje, color, forma y expresividad. Pero sobre todo, sentía la expresión y la impresión del arte en cualquiera de sus formas, y lo asimilaba como filosofía y conocimiento. En él se reunían Rodin y Courbet, los grandes fotógrafos de mediados del siglo XX, arquitectos como Le Corbusier y Alvar Aalto y hombres sensibles con voluntad de hierro como el Che y Fidel. Tenía olfato para la grandeza y la armonía suprema del ser.

Ser como fue le llevó a realizar más de 10 000 diapositivas a pleno color, que muy pocos han visto, pero que quedan como un patrimonio inapreciable de la capacidad de Korda para hacer arte en la plataforma submarina de Cuba, como estamos seguros de que no existe en ninguna otra parte del mundo. Lo que no implica que haya dejado de cumplir su deber como técnico y científico de rango internacional. Esta obra fabulosa y única podría formar parte de la decoración de nuestros grandes hoteles, de nuestras embajadas y de un museo expresamente dedicado a revelar las maravillas del mar cubano por uno de los cubanos más famoso de nuestra época.

Autor: Enrique González-Manet
Fuente: CUBARTE

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