En Esta cuarta edición de FOTONOCHE disfrutaremos de los trabajos de los autores que se han incorporado en el pasado año a la Colección Alcobendas, además añadiremos a la proyección obra reciente de jóvenes fotógrafos que residen en nuestra ciudad.
El conjunto formado por imágenes de distintos “Géneros y Tendencias”, como enuncia el nombre de nuestra colección, podrá contemplarse en un lugar diferente, al aire libre, en un espacio de encuentro y recreo de la ciudad, que nos permitirá apreciar de manera informal en nuevo perfil de la fotografía española contemporánea.
Francesc Català Roca, Joan Colom, Xavier Miserachs, Nicolás Muller, Juan Manuel Castro Prieto, Juan Manuel Díaz-Burgos, David Jiménez, Rafael Paniagua, Manuel Sonseca, Mario de Aguavives, Pierre Gonnord, Jens Jeager, Josep Vicent Monzó y Pablo Pérez Mínguez.
LA ESFERA, RECINTO EXTERIORAV. OLÍMPICA, 14 - ALCOBENDASA PARTIR DE LAS 22:00 H
Os recuerdo que el próximo Viernes día 26 de junio se hará la subasta benéfica de obra fotográfica con fines solidarios.
Todo lo recaudado irá destinado para que la Fundación Vicente Ferrer desarrolle su Proyecto Vivienda en Anantapur, India.
Será un pequeño homenaje a la labor de un gran hombre.
Se subastará obra de Manuel Sonseca, Pedro Giménez, Pepe Frisuelos, Alberto Ruiz López, Raúl Montesano, Michiko Totoki, Borja Delgado, Gustavo López, Carlos Sánchez, Antonio Olazábal, Axelle Fossier, Valentín López de Lerma García Rojo, Anabel Mera, Ignacio Fez del Amo, José Luis de la Parra Pérez , Marta Poncela, Rogelio Camargo, Jose Mª Escudero Ramos, Ralph Pascual, Federico Romero Galán, Tomás Barbado, Cristina Lamata, Pepa de Rivera, Jorge Ontalba, Carmen Lafuente, Belén Álvarez, gestoras culturales como Lucila Toledo que ha donado obra de Carlos Arrogante, coleccionistas del prestigio de Bárbara Mur ha donado obra de Manuel Cervera, José Nieto, Virgilio Núñez‐Cacho Fuentes, Natalia Carretero Canet, Emilia Valencia, Ana Matey, Javier de Carlos, Alejandra Duarte, Manuel Álvarez Arenas, Susana Girón, Margarita González Caballero, Julio Fuentaja, Christian Gamba, Angélica Suela de la Llave, Ivan Muñoz, Rubén Morales, Antonio Graell, Blanca del Amo, Andrés García, Rosa Hernán, Manuel Bayo y María G Molina.
¿Quién da más...?
Haciendo un donativo se lleva una obra de arte. Hagamos que muchas personas tengan una mirada positiva...
Unos consejos y dudas más frecuentes:
Cómo comprar una fotografía en la Subasta
Primero deberá verificar las fotografías ofertadas o bien visitando nuestra página web (www.cev.com/subasta) que ofrece todos los detalles de las obras con el precio de salida (aunque no están todas las obras que salen a subasta) o visitando la sala de exposiciones del CEV (4 planta) en Gaztambide 65 a partir del lunes 22 de junio.
Inspeccionar y organizar tasaciones de los lotes en caso necesario.
* Asistir la subasta, no se olvide llevar la chequera * Pujar por el lote de su elección. * A pesar de que la Subasta toma todo tipo de precauciones para asegurar que los detalles estén correctos, no nos responsabilizamos por información errónea que pudiera haber sido aportada por los autores o transcrita en la web. Es por ello que siempre recomendamos a nuestros clientes comprobar la obra antes de pujar y/o formalizar la compraventa.
Cómo efectúo la compra de un lote durante la subasta?
Si su oferta es aceptada, puede:
- pagar en metálico o cheque en el momento de retirar la obra.
-Dar una señal y pagar el resto cuando le vayan a entregar la obra a la
semana siguiente.
La compraventa se formaliza como muy tarde a los 7 días siguientes a la celebración de la subasta.
Tengo que asistir personalmente a la subasta a fin de pujar por un lote?
Sí.
Cómo puedo inspeccionar las fotografías que se subastarán?
Desde el lunes 22 podrán ver una selección de las fotografías expuestas en el CEV, Gaztambide 65, o bien durante la subasta.
Cuál es el plazo de formalización de la compraventa?
Normalmente dentro de 7 días siguientes a la celebración de la subasta. En casos muy especiales se podrán negociar extensiones.
Cuáles son los costos de comprar en la subasta?
No existen costes ocultos ni tasas para poder pujar o adquirir una obra en la subasta.
Animada por un humor latente e implícito, la obra de Gilbert Garcin (La Ciotat, Francia, 1941) juega con el absurdo y lo extraño, con la angustia, las ilusiones y los límites. En los tiempos de lo digital y del Photoshop, ofrece la austeridad de una imagen estática y sin horizontes. Deliberadamente arcaico, continúa sirviéndose de viejas tijeras y pegamento, también a la hora de recortar y adherir su silueta o su cabeza en sus obras.
"La Galería Pablo Goebel Fine Arts presenta la exposición fotográfica LEO MATIZ en coordinación con la Fundación Leo Matiz. La muestra será inaugurada el miércoles 6 de mayo a las 7.30 PM y permanecerá abierta hasta el 30 de julio de 2009, bajo la supervisión de Luís-Martín Lozano como curador.
Leo Matiz Espinoza (Aracataca, 1917–Bogotá, 1998), caricaturista, periodista, editor, actor y fotógrafo, recorrió pueblos, ciudades y continentes al encuentro cotidiano con el arte ya con una técnica, o bien con otra. Incansable, de frente a la aventura, buscando retos, bebiendo fantasías, encontrando paisajes, captando gestos, definiendo líneas. Es finalmente en la fotografía donde sus méritos sintetizan su mirada del mundo, lanzándolo a la trascendencia.
Leo Matiz vivió cada momento con gran energía y en pleno de movimiento. Desde los dieciséis años comenzó su trayectoria publicando sus primeras caricaturas en la revista Civilización, tras varias exposiciones y buscando la oportunidad de salir de su país con la certeza de que su aprendizaje podía enriquecerse con una beca que le permitiera estudiar las Bellas Artes y en especial, el perfeccionar el ejercicio de la pintura. Tras el desaliento del fracaso a sus intereses, Leo Matiz, iniciaba nuevamente otra embestida al destino, así recorrió periódicos locales y provincias de su patria, sin poder ser parte de la academia que tanto deseaba.
Es en 1940, con tan solo 23 años y mucha experiencia acumulada, cuando Leo Matiz se embarca con destino a México y aún sin definir si se dedicaría a la pintura o la fotografía, pues ambas experiencias le apasionaban y le procuraban elogios. Y aunque no abandonaba sus actividades pictóricas, la fotografía le permitía además sobrevivir como reportero y fotógrafo, así, mientras se empleaba, su arte se engrandecía recorriendo países de Latinoamérica y logrando reconocimientos que impactaban más allá de lo periodístico, en el arte. Su mirada volcada en las imágenes que capturaba, ya era parte de los discursos críticos del mundo del arte.
Matiz generó imágenes que permitieron fortalecer la labor del fotoperiodista. Su obra muestra las prácticas cotidianas que conformaban la tradición, los viejos pueblos mesoamericanos, los presos, los artistas de cine, los paisajes, la naturaleza, y fueron captadas con un dominio técnico de la lente que le permitía profundizar en la línea, la sombra, la perspectiva; en posesión de una estética que se fortaleció por sus conocimientos de dibujante, caricaturista y pintor. Así, la composición impecable de sus fotografías cobra relevancia y llega incluso a lo épico. Esta estética manifiesta sin duda cierta influencia nutrida también por el muralismo y los grandes pintores mexicanos activos en la década de los cuarentas y con los que Matiz convivió más allá de lo periodístico.
Tras un altercado con David Alfaro Siqueiros que tomó revuelos legales, Leo Matiz abandona tierras mexicanas. Continúo su trayectoria de fotógrafo de prensa documentando actividades políticas y sociales.
Como artista la trayectoria de Leo Matiz está rodeada de reconocimientos muy importantes: En 1949 fue elegido como uno de los mejores fotógrafos del mundo, en 1995; el gobierno francés lo designó como Caballero de las artes y letras; en Milán el otorgaron el premio Horus Sicof; en 1998, el gobierno de Colombia lo distinguió como el fotógrafo más importantes del país en el siglo XX y se creó la Fundación Leo Matiz.
Galería Pablo Goebel Fine Arts (Schiller 251, 6| piso, Polanco, México, D.F.)"
El Simposio de SCAN revisa viejos y nuevos planteamientos entorno a la teoría de la fotografía
El próximo jueves, 14 de mayo, dará comienzo el Simposio, ciclo de conferencias y mesas redondas que, con el nombre de Instantáneas de la teoría de la fotografía, analizará durante tres días la esencia de la fotografía y de su teoría. Las ponencias, que se realizan en el contexto de SCAN, manifestación fotográfica, tendrán lugar en la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona.
El Simposio, dirigido por Pedro Vicente Mullor, profesor visitante de teoría de la fotografía de la Universidad UCA, Farnham (Reino Unido) y co-director del postgrado de fotografía de la Escuela Elisava de Barcelona, se plantea que, aunque en el contexto actual la práctica de la fotografía está ampliamente extendida y hay una saturación de imágenes, probablemente aún estamos lejos de saber qué es realmente la fotografía. Para aproximarse a las respuestas que estas preguntas plantean, el simposio de SCAN pretende ser un marco de debate en el que explorar la situación, función, usos, consumo y futuro de la fotografía, y cuestionar la validez de las viejas teorías, revisando el nuevo pensamiento entorno a un lenguaje en constante proceso de cambio.
Para debatir entorno a este tema, el Simposio os ofrece una serie de conferencias y mesas redondas que se realizarán del 14 al 16 de mayo. Entre las personas ponentes, podemos destacar a Peter Osborne, profesor de Filosofía Europea Moderna y director del Centro para la Búsqueda en Filosofía Europea Moderna, Universidad de Middlesex (Londres), y uno de los editores de la revista Radical Philosophy, a Elisabeth Edwards, profesora de la Universidad de Oxford e investigadora al London College of Communication, a Martin Lister, catedrático de nuevas tecnologías en la Universidad de UWE (Reino Unido), Jean-François Chevrier, historiador de arte, profesor en la Escuela nacional superior de bellas artes de París, y comisario independiente de exposiciones, y a Daniel Canogar, uno de los artistas españoles con más proyección internacional.
Simposio 14, 15 y 16 de mayo Aula Magna de la Facultad de Ciencias Jurídicas de la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona.
Proyecto y dirección: Pedro Vicente Mullor, profesor visitante de teoría de la fotografía de la Universidad UCA, Farnham (Reino Unido) y co-director del postgrado de fotografía de la Escuela Elisava de Barcelona.
Organiza: SCAN en colaboración con la Universitat Rovira i Virgili Producción y coordinación: Jordi Nicolau, equipo de producción SCAN Coordinación URV: José Carlos Suárez, profesor de la URV y director del Aula de Cinema de la URV
Hace poco un alumno de fotografía de la Universidad Juan Carlos I , Javier López, se puso en contacto con el fotógrafo Alberto Ruiz López, estaba realizando un trabajo sobre su obra.
Hoy le he solicitado a Alberto esa entrevista para subirla al blog, espero que os parezca interesante.
1. ¿Qué es lo que le hizo decidirse por la fotografía en el ámbito profesional? Desde muy pequeño me ha gustado la fotografía, los grandes maestros como Ansel Adams y Franco Fontana. .. Estando en la universidad me compre una Nikon 301 y todo empezó como un juego (fotos a mis compañeras y a la familia), continuo como un vicio (viajaba a todas partes con la cámara, lo inmortalizaba todo) y acabo como una profesión (ya que empecé trabajando como foto fija en los 90 al mismo tiempo que estudiaba Imagen y Sonido). En 2003 funde Alberto Ruiz Estudio, dedicándome de pleno a la fotografía. Tras muchos años me di cuenta de que la fotografía era lo que mas me gustaba hacer, me permite viajar, es un trabajo creativo que me llena, en el que cada día aprendo algo nuevo.
2. ¿Qué intenta expresar o hacer llegar al público con sus fotografías? Yo amo la naturaleza me trasmite sentimientos, en algunos casos paz en otros intranquilidad. Hay veces que me siento a oler a sentir, observo y el mismo paisaje me traslada a mundos paralelos y son estas sensaciones las que pretendo trasmitir. Se que cada persona entenderá mi fotografía de una manera diferente, tendrá una percepción distinta pero mis obras intentan no dejar impasible al espectador.
3. He observado en sus fotografías acerca de paisajes que predomina, en ocasiones, el empleo del blanco y negro ¿con qué finalidad? El blanco y negro pertenece a una etapa de mi fotografía (del 2004-2006), cuando veía un paisaje, lo veía para blanco y negro. También trabajaba mucho la panorámica. Siempre he pensado que mis circunstancias personales y profesionales influyen mucho en mi fotografía. De 2006 a 2007 hubo una transición importante formatos y una discreta inclusión del color en mi paisaje. En 2008 casi toda mi obra es en color, me parece que la evolución en el trabajo personal es muy importante.
4. En la serie acerca de arqueología industrial, ¿qué intenta transmitir y con qué fin? Arqueología Industrial es un proyecto realizado en Córdoba en 2007. Alguien me hablo sobre un lugar con esas características y decidí visitarlo. Es impresionante poder fotografiar un sitio como ese. Pasear entre edificios que tuvieron una historia, que fueron importantes en la Industria de los años 60-70 y ahora están abandonados casi destruidos con el paso del tiempo. Me parecía importante mostrar la belleza del lugar devolverle su importancia, una ventana que mira hacia el fututo y hacia el pasado al mismo tiempo, un edificio cuya sombra sigue permanente en el paso de la historia,…
5. ¿Qué técnicas suele emplear a la hora de llevar a cabo su obra? Trabajo tanto en Analógico como en digital, todo depende de la producción, el tiempo y el presupuesto. Siempre hago la postproducción en digital, me es más cómodo que el laboratorio y siempre me han gustado las nuevas tecnologías. Es cierto que el blanco y negro me gusta más realizarlo en película (el digital en muchos casos “canta a digital”). De todas formas siempre seguiré aprendiendo y pretendo probar todas las nuevas tecnologías que vayan surgiendo. Las técnicas son algo que utilizar en tu beneficio, pero lo importante es el ojo y la sensibilidad del artista, pienso que la técnica es un medio para crear la obra.
6. ¿Con cual de sus obras se siente más identificado? No podría elegir una, todas forman parte de búsquedas personales, de sentimientos, de visiones. Todas me has dado algo y todas significan algo para mi.
La muestra permanecerá en el Museo de Arte Contemporáneo hasta el próximo 28 de septiembre.
El Museo de Arte Contemporáneo ha organizado la exposición Artistas y Fotógrafos. Imágenes para una colección que muestra una amplia selección de las fotografías que integran la colección del Museo.
El Museo de Arte Contemporáneo edita el catálogo completo de la colección, en el que se recoge todos los datos técnicos, comentarios de las obras y sus autores.
Han pasado ya algo más de dos décadas desde que en 1987 se inició la formación de esta colección con el ingreso de la obra de Ouka Leele, Rapelle-toi Bárbara. Esta colección reúne además, un elenco de autores consagrados –algunos de ellos Premios Nacionales de Fotografía, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez, Ramón Masats, Chema Madoz, Alberto García Alix, Carlos Pérez Siquier- de ámbito nacional e internacional, así como de jóvenes artistas que, sin lugar a dudas, nos proporcionan una visión global de lo que ha sido nuestra historia fotográfica más reciente, en definitiva las perspectivas e imágenes de nuestra sociedad contemporánea.
La exposición y catálogo Artistas y fotógrafos. Imágenes para una colección reúne 65 autores en un arco generacional que incluye desde los años setenta y ochenta -con fotógrados como Pablo Pérez Mínguez, Alberto García Alix o Ouka Leele, todo ellos recientes Premios Nacionales de Fotografía-, hasta nuestros días, con nombres como los de José Manuel Ballester, Rosa Muñoz o David Jiménez. Están presentes también clásicos de la fotografía española Ramón Masats, Carlos Pérez Siquier o Alberto Schommer. O fotógrafos tan relevantes como Manuel Sonseca, Antonio Tabernero, José Manuel Navia o Aitor Ortiz. Jóvenes como Ignacio Fernández del Amo, Julia Rivera o Mauricio Scrkycky. A los que hay sumar, autores internacionales como Gabriele Basilico, Hannah Collins, Ola Kolehmainen, Helle Jetzig o Boris Savelev, hasta completar la nómina que compone el catálogo.
José María Díaz Maroto
La formación de la colección fotográfica del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid corre en paralelo con la corta vida del Museo -poco más de seis años de existencia-, pero el interés del Museo por la fotografía ha estado también presente en la programación de exposiciones temporales que se han llevado a cabo desde su inauguración a finales de 2001 -de la formación de la colección, desarrollo y programa expositivo se da cuenta detallada en el catálogo que ahora se pública, por lo que no hace falta referirlo en esta presentación.
La colección del Museo de Arte Contemporáneo, ha apostado por una combinación de propuestas que bajo el telón de fondo de la ciudad y la arquitectura discurre cómodamente por los límites de la tecnología digital y la fotografía más ortodoxa, pero con un denominador común. Independientemente de las fronteras formales, la temática que muestra es sensible a las propuestas más actuales: la descontextualización del objeto, la reinvención de la arquitectura, la poética del paisaje, el paisaje como experiencia colectiva, la reinvención de espacios, el retrato de la cotidianeidad y el reportaje intimista, entre otras.
Actualmente, la fotografía se encuentra inmersa en un proceso constante y ambiguo de transformación. Su evolución a lo largo de más de siglo y medio ha supuesto que pase a ser considerada no como un simple instrumento de documentación sino como una forma de arte que genera su propia dinámica. La colección fotográfica del Museo de Arte Contemporáneo se ha hecho eco de la importancia de este desarrollo, pero también de la poderosa influencia que ejerce la fotografía sobre nuestras vidas.
La fotografía ha estado siempre sometida a un debate multidisciplinar entre artistas y teóricos en lo que se refiere a sus usos artísticos y documentales. Conflicto que, por un lado, radicaliza las posturas entre puristas y antipuristas y, por otro, propicia que algunos creadores se nutran de ambos usos y otros desarrollen una fotografía documental basada en la falsedad de la fotografía como testimonio de realidad. En este sentido, la colección del Museo de Arte Contemporáneo, ha apostado por una combinación de propuestas que bajo el telón de fondo de la ciudad y la arquitectura discurre cómodamente por los límites de la tecnología digital y la fotografía más ortodoxa, pero con un denominador común. Independientemente de las fronteras formales, la temática que muestra es sensible a las propuestas más actuales: la descontextualización del objeto, la reinvención de la arquitectura, la poética del paisaje, el paisaje como experiencia colectiva, la reinvención de espacios, el retrato de la cotidianeidad y el reportaje intimista, entre otras.
Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo que incluye la totalidad de la obra fotográfica que hasta hoy conserva el Museo. El catálogo recoge los datos técnicos de cada fotografía y unos extensos comentarios relativos al autor y a la obra concreta. La publicación incluye también tres textos: el de Eduardo Alaminos que da noticia de la formación y avatares de la colección, así como del interés que el Museo ha mostrado por esta forma de expresión artística; el del profesor Miguel Cabañas que ha escrito un texto sobre la fotografía de mirada urbana en la era digital y el de la comisaria Mónica Carabias Álvaro, historiadora del Arte Contemporáneo y especialista en fotografía que además de escribir un texto valorativo sobre la colección ha presentado en su contexto a cada autor y escrito un comentario de cada obra. Asimismo se publica una guía específica para el visitante sobre el contenido y desarrollo de la exposición.
Manuel Sonseca
La exposición se estructura en cuatro secciones:
1. Años para el inconformismo: los setenta, el futuro de la fotografía creativ 2. Los alegres ochenta de la Movida
3. Los híbridos noventa: el camino hacia el segundo milenio
4. El segundo milenio: El diluvio digital
4.1. La problemática del hombre moderno en las sociedades contemporáneas 4.2. La arquitectura reinventado 4.3. El paisaje urbano: entre la poética, la huella y la realidad individual como medio de experimentación colectiva 4.4. El retrato de la cotidianeidad: entre el intimismo y el nuevo reportaje
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