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 BLANCO, CASI BLANCOTiempos Modernos te invita a la inauguración de la exposición BLANCO, CASI BLANCO que se inaugurará el próximo miércoles 8 de Junio a las 19.30 h. |
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jueves, 9 de junio de 2011
sábado, 4 de junio de 2011
Eugène Atget
The FUNDACIÓN MAPFRE is delighted to be presenting for the first time in Madrid the work of the French photographer Eugène Atget (Libourne, 1857 – Paris, 1927), a unique master whose work made a crucial contribution to the history of photography. Atget’s enigmatic images inspired numerous artists over the course of the 20th century and continue to do so today.
The exhibition’s curators looked at more than 4,000 photographs by Atget, from which they selected 228. All taken between 1898 and 1924, they offer a portrait of the city of Paris and its outskirts and clearly reveal the evolution of Atget’s work. The prints in the exhibition have been loaned by the Musée Carnavalet in Paris, the George Eastmann House in Rochester and the collections of the FUNDACIÓN MAPFRE.
Eugène Atget did not train as a photographer and only turned to it in order to try to earn a living, having been unsuccessful in other fields. He started out in the provinces but soon arrived in Paris where he lived for the rest of his life. Atget worked anonymously and was considered a commercial photographer who sold what he called “documents for artists”, i.e. photographs of landscapes, close-up shots, genre scenes and other details that painters could use as models. Nonetheless, as soon as Atget turned his attention to photographing the streets of Paris, his work attracted the attention of leading institutions such as the Musée Carnavalet and the Bibliothèque Nationale, which became his principal clients.
It is in these photographs of Paris that we find the best of Atget, the artist who shows us a city remote from the clichés of the Belle Époque.
Atget’s images of “Old Paris” depict areas that had not been touched by Haussmann’s rebuilding and modernisation programme. We see empty streets and buildings, details that usually pass unnoticed, presented as rigorous, original compositions that offer a mysterious group portrait of the city.
The exhibition is organised into 12 sections that correspond to the thematic groupings used by Atget himself. They are: small trades, Parisian types and shops, 1898-1922; the streets of Paris, 1898-1913; ornaments, 1900-1921; interiors, 1901-1910; cars, 1903-1910; gardens, 1898-1914; the Seine, 1900-1923; the streets of Paris, 1921-1924; outside the city centre, 1899-1913; and the outskirts of Paris, 1901-1921.
In addition, this section is accompanied by 43 photographs by Atget from an album that belonged to Man Ray. The photographs are of typical Parisian types and locations, taken between 1899 and 1926. They were selected by Man Ray, indicating the immediate interest that Atget’s work aroused among the Surrealists. The first to appreciate his talents and importance were the photographer Berenice Abbot and Man Ray himself, both of whom lobbied to preserve Atget’s photographs.
The equipment and technique deployed by Atget links him to 19th-century photography. He had a 18 x 24cm wooden, bellows camera, which was extremely heavy and had to be supported on a tripod. The use of glass plates allowed Atget to capture every tiny detail with great precision. Also traditional was his printing method, on albumen paper made light-sensitive with silver nitrate, exposed under natural light and subsequently gold-tinted. Atget’s vision of photography was, however, an astonishingly modern one.
As a result, he inspired artists and photographers such as Brassaï, Cartier-Bresson and Roger Livet, the Surrealists, and Walker Evans, and he can also be considered the starting-point for 20th-century documentary photography.
In order to emphasise this theme, the FUNDACIÓN MAPFRE has organised a lecture series in which leading international experts will use Atget’s images in order to demonstrate his influence on later photographers up to the present day. The series starts immediately after the opening of the exhibition.
The exhibition will subsequently travel to Rotterdam (the Nederlands Fotomuseum, 24 September 2011 to 3 January 2012); Paris (the Musée Carnavalet, 17 April to 25 July 2012); and Sydney (Art Gallery of New South Wales, 21 August to 15 November 2012).
The exhibition’s curators looked at more than 4,000 photographs by Atget, from which they selected 228. All taken between 1898 and 1924, they offer a portrait of the city of Paris and its outskirts and clearly reveal the evolution of Atget’s work. The prints in the exhibition have been loaned by the Musée Carnavalet in Paris, the George Eastmann House in Rochester and the collections of the FUNDACIÓN MAPFRE.
Eugène Atget did not train as a photographer and only turned to it in order to try to earn a living, having been unsuccessful in other fields. He started out in the provinces but soon arrived in Paris where he lived for the rest of his life. Atget worked anonymously and was considered a commercial photographer who sold what he called “documents for artists”, i.e. photographs of landscapes, close-up shots, genre scenes and other details that painters could use as models. Nonetheless, as soon as Atget turned his attention to photographing the streets of Paris, his work attracted the attention of leading institutions such as the Musée Carnavalet and the Bibliothèque Nationale, which became his principal clients.
It is in these photographs of Paris that we find the best of Atget, the artist who shows us a city remote from the clichés of the Belle Époque.
Atget’s images of “Old Paris” depict areas that had not been touched by Haussmann’s rebuilding and modernisation programme. We see empty streets and buildings, details that usually pass unnoticed, presented as rigorous, original compositions that offer a mysterious group portrait of the city.
The exhibition is organised into 12 sections that correspond to the thematic groupings used by Atget himself. They are: small trades, Parisian types and shops, 1898-1922; the streets of Paris, 1898-1913; ornaments, 1900-1921; interiors, 1901-1910; cars, 1903-1910; gardens, 1898-1914; the Seine, 1900-1923; the streets of Paris, 1921-1924; outside the city centre, 1899-1913; and the outskirts of Paris, 1901-1921.
In addition, this section is accompanied by 43 photographs by Atget from an album that belonged to Man Ray. The photographs are of typical Parisian types and locations, taken between 1899 and 1926. They were selected by Man Ray, indicating the immediate interest that Atget’s work aroused among the Surrealists. The first to appreciate his talents and importance were the photographer Berenice Abbot and Man Ray himself, both of whom lobbied to preserve Atget’s photographs.
The equipment and technique deployed by Atget links him to 19th-century photography. He had a 18 x 24cm wooden, bellows camera, which was extremely heavy and had to be supported on a tripod. The use of glass plates allowed Atget to capture every tiny detail with great precision. Also traditional was his printing method, on albumen paper made light-sensitive with silver nitrate, exposed under natural light and subsequently gold-tinted. Atget’s vision of photography was, however, an astonishingly modern one.
As a result, he inspired artists and photographers such as Brassaï, Cartier-Bresson and Roger Livet, the Surrealists, and Walker Evans, and he can also be considered the starting-point for 20th-century documentary photography.
In order to emphasise this theme, the FUNDACIÓN MAPFRE has organised a lecture series in which leading international experts will use Atget’s images in order to demonstrate his influence on later photographers up to the present day. The series starts immediately after the opening of the exhibition.
The exhibition will subsequently travel to Rotterdam (the Nederlands Fotomuseum, 24 September 2011 to 3 January 2012); Paris (the Musée Carnavalet, 17 April to 25 July 2012); and Sydney (Art Gallery of New South Wales, 21 August to 15 November 2012).
martes, 31 de mayo de 2011
PHE 2011 Y El Círculo de Bellas Artes
Círculo de Bellas Artes
Ron Galella. Paparazzo Extraordinaire
©Ron Galella
Ron Galella (EEUU, 1931) es uno de los fotógrafos de celebridades más controvertido. Es internacionalmente reconocido por sus retratos de Jacqueline Kennedy, Marlon Brando, Elvis Presley o Frank Sinatra. Nativo del Bronx, trabajó como fotógrafo para las fuerzas aéreas americanas durante la Guerra de Corea. En 1958 se graduó en Fotoperiodismo en el Art Center College of Design de Los Ángeles. Galella positiva él mismo sus fotografías, que han sido expuestas en galerías internacionales, como el Museum of Modern Art (Nueva York), la Tate Modern (Londres) y el Helmut Newton Foundation Museum of Photography (Berlín).
Continúa hasta el 17 de julio.
Sala Picasso
Cámara Ardiente. Prostitutas de Fernell Franco
©Fernell Franco
Fernell Franco (Valle del Cauca, Colombia, 1942 – Cali, Colombia, 2006) fue reportero, publicista y artista. A lo largo de su carrera, los caminos profesionales que transitó se entrecruzaron brillantemente y de manera constante. La serie Prostitutas se expuso por primera vez en marzo de 1972 en Ciudad Solar, un espacio interdisciplinario y experimental en torno a las artes visuales, donde confluían los intelectuales de la época de la ciudad de Cali. Compuesta por una quincena de imágenes, la serie fue el resultado del quehacer etnográfico de Franco.
Continúa hasta el 24 de julio.
Sala Minerva
Sala Picasso.
Círculo de Bellas Artes
C/ Alcalá, 42
28014 Madrid
martes, 10 de mayo de 2011
jueves, 5 de mayo de 2011
Madridfoto
MADRIDFOTO 2011 (3ª edición) es la única feria internacional especializada en fotografía contemporánea de nuestro país, destinada a un nuevo coleccionismo privado, corporativo e institucional.
La Feria tendrá lugar desde el día 5 al 8 de mayo de 2011, ambos inclusive. En esta ocasión, debido al aumento de galerías participantes, MADRIDFOTO regresa a la Feria de Madrid (Ifema), donde el Pabellón 1 ofrece un mayor número de metros cuadrados. Las infraestructuras de la Feria de Madrid aseguran además mayor comodidad para el visitante y el profesional. Como en las ediciones anteriores, el espacio estará
especialmente diseñado para la ocasión por Andrés Jaque, con el fin de hacer de la visita una experiencia cómoda y agradable para el espectador, a la vez que resaltar las obras expuestas por las distintas galerías. Stands, pasillos, zonas de descanso y área VIP se adecuarán a una feria que aprovechará al máximo la capacidad de atención del visitante.
MADRIDFOTO está dirigida al nuevo coleccionismo de fotografía, acompañada de una serie de actividades destinadas a potenciar el soporte fotográfico y su expansión en el mercado. En su última edición, MADRIDFOTO recibió más de 15,000 visitantes. Contó con la participación de veinticinco expositores extranjeros (EEUU, Reino Unido, Portugal, Italia, Luxemburgo, Francia, Alemania, Holanda, Dinamarca, Canadá y México), además de veintidós galerías madrileñas, ocho galerías catalanas y doce galerías del resto de España.
Siguiendo la iniciativa de 2010, en MADRIDFOTO 2011 también se organizarán tertulias, encuentros y otras acciones para que comisarios, programadores y directores de museo participen activamente en este evento.
martes, 19 de abril de 2011
EL CBA EXPONE LAS 30 LÁMINAS DE ARQUITECTURA ALPINA, LA PROPUESTA UTÓPICA DE BRUNO TAUT
Entre 1917 y 1918, en plena Gran Guerra, el arquitecto alemán Bruno Taut, concibió y editó Arquitectura Alpina, un tratado de arquitectura utópica desarrollado en 30 láminas. Centrado en apariencia en la construcción de un ambicioso entramado urbano en los Alpes, la significación del texto va mucho más allá. Sus implicaciones estéticas y filosóficas son una condensada síntesis de las ideas pacifistas, socialistas y místicas de Taut. El Círculo de Bellas Artes expone por primera vez la totalidad de las 30 láminas que conforman Arquitectura Alpina.
Taut afirma en la dedicatoria de la obra al káiser Guillermo II que su tratado aspira a ser una contribución a la Paz Eterna. El arquitecto asegura que la causa más profunda de la guerra es el aburrimiento. Para evitarlo, hay que proponer al pueblo –no sólo al alemán, sino al europeo en su conjunto– una ocupación más alta, “extrapolítica… puramente humana y cósmico-religiosa”: la construcción de una compleja trama urbana en los Alpes, “entre el Monte Rosa y la llanura del norte de Italia”. Las propuestas arquitectónicas de Taut se centran en una arquitectura realizada únicamente con cristal. Taut había realizado varias obras con estas características, pero, sobre todo, la arquitectura del cristal le fascinaba como metáfora de un nuevo orden vital. Taut seguía las ideas del poeta utópico Paul Scheerbart, autor de La arquitectura del cristal. Scheerbart aseguraba: “Si queremos elevar nuestra cultura a un nivel superior, estamos obligados... a transformar nuestra arquitectura”.
viernes, 8 de abril de 2011
jueves, 7 de abril de 2011
sábado, 2 de abril de 2011
jueves, 31 de marzo de 2011
Mauro Cerqueira y Julia Spínola
OREJA NAUFRAGIO
Comisario: Pablo Flórez
©Mauro Cerqueira. Protecção, 2011
Mar, naufragio, enredadera, oreja, pie y vértigo. Una imprevista reacción en cadena que construye un discurso sobre términos inconexos cuya combinación altera su significado. Sobre estas referencias giran los trabajos de Mauro Cerqueira y Julia Spínola; instalaciones escultóricas erigidas sobre los fortuitos resultados de una acción previa y secuencias de ritmos y equilibrios que bajo la idea de partitura o gráfica se traducen en piezas de collage. Maniobras y procesos físicos, que ponen de manifiesto la relación entre el cuerpo y la acción, desde los que desafiar al espectador como el lugar en el que concluye la obra.
Galería Heinrich Ehrhardtinicio
C/ San Lorenzo, 11 28004 Madrid Ver mapa
Director: Heinrich Ehrhardt
Teléfono: +34 91 310 44 15
Lunes de 16 a 20h. Martes a viernes de 10 a 18h. Sábado de 10 a 14h.
miércoles, 30 de marzo de 2011
Carme Nogueira, Itziar Okáriz, Azucena Vieites
El momento es ahora
Comisario: Manuel Segade
Azucena Vieites. Coloring Book, 2010Serigrafía sobre papel, 50 x 65 cm
A partir de la constatación del momento socioeconómico en que vivimos, esta propuesta pretende responder a la inestabilidad con riesgo, política y optimismo a partes iguales: tres artistas –Carme Nogueira, Itziar Okáriz y Azucena Vieites, que, a través del cuestionamiento sistemático de la identidad, suponen una vía relacional de investigación artística singular en el estado español – establecen un diálogo entre sus trabajos a partir de sus conexiones feministas, su posición crítica y sus formas apropiacionistas. En definitiva, un espacio de activación de prácticas para una construcción comunitaria diferencial que contribuya a recontextualizar el aquí y ahora como punto de partida.
Galería Moriarty
C/ Libertad 22. 28004 Madrid Ver mapa
Directores: Lola Moriarty y Adam Jorquera
Teléfono: +34 91 531 43 65
Martes a sábado de 11 a 14h. y de 17 a 20:30h.
martes, 29 de marzo de 2011
Fat Chance to Dream (Una oportunidad para soñar
Comisaria: Tania Pardo
Artistas: Alejandro Cesarco, Ryan Gander, Claire Harvey, Nicolás Paris, Jorge Satorre e Hiraki Sawa
Claire Harvey. The Man on the Nail, 2005Carboncillo sobre muro y clavo, 3,5 x 3 x 3 cm aprox.
Esta muestra pone de manifiesto la relación entre el galerista, el artista y el comisario, aludiendo, a través del diálogo entre las piezas de estos artistas a esas relaciones intangibles y, a veces, disfrazas de ensoñación que se establecen en el complejo sistema del mundo del arte contemporáneo. El título de la exposición hace alusión a una canción del cantautor británico Robert Wyatt, Fat Chance to Dream, en referencia a los universos propios que muestran estos artistas. El trabajo de todos ellos está en directa conexión, mediante una inteligente sutilidad, que parte de lo mínimo para alcanzar lo máximo, en un sentido que aquí aplicamos como metáfora de las relaciones sutiles, casi transparentes y frágiles que implícitamente existen en el propio sistema del arte.
Galería Maisterravalbuena
C/ Doctor Fourquet 1. 28012 Madrid Ver mapa
Directores: Pedro Maisterra y Belén Valbuena
Teléfono: +34 91 530 78 89
Lunes a viernes de 10 a 14h. y de 15:30 a 19:30h. Sábado de 10 a 14h.
lunes, 28 de marzo de 2011
La música es la respuesta (a tus problemas)
Comisario: Tolo Cañellas
Artistas: Bubi Canal, Carles Congost, Theo Firmo, Alberto de las Heras, Jaro, Pablo Pérez Sanmartín y Rubenimichi
Pablo Pérez Sanmartín. Here Comes The End, 2011
Animación monocanal en bucle (50’’)
La idea de la exposición consiste en transformar el espacio galerístico en otro menos encorsetado, con un punto relacional y de intercambio de información entre los asistentes a la misma. Tomando el tema/excusa de la música como elemento aglutinador, cada artista seleccionado crea al menos una pieza específica para dicho espacio, convirtiéndolo en un todo como si de una instalación de un sólo artista se tratara aunque cada pieza tenga sentido y autonomía en sí misma.
C/ Conde de Aranda, 5. 28001 Madrid Ver mapa
Directores: Topacio Fresh e Israel Cotes
Teléfono: +34 91 431 51 51
Lunes de 17 a 20:30h. Martes a viernes de 11 a 13:30h. y de 17 a 20:30h.
sábado, 26 de marzo de 2011
viernes, 25 de marzo de 2011
Rui Calçada Bastos, Pedro Luis Cembranos y Ariadna Parreu
Hall of Fame. Una reflexión en torno a la institución, el Museo
Comisaria: Virginia Torrente
Artistas: Rui Calçada Bastos, Pedro Luis Cembranos y Ariadna Parreu
©Pedro Luis Cembranos. Artmuseum, 2011 Esta exposición presenta la obra de tres artistas que plantean ciertos interrogantes en torno al museo como base sólida del triunfo del artista, o sobre la misma institución de arte contemporáneo, lanzando un cuestionamiento que sirve de reflexión al espectador, a la galería, a los comisarios, y a los propios artistas.
El museo en el siglo xxI: ¿Es lugar de confirmación de la fama para el artista, dispositivo de promoción de los políticos que nos gobiernan, laboratorio experimental, un poco de todo o nada de lo anterior? Basado en una óptica irónica, todas las anteriores preguntas, y algunas más, se plantean en esta exposición.
El museo en el siglo xxI: ¿Es lugar de confirmación de la fama para el artista, dispositivo de promoción de los políticos que nos gobiernan, laboratorio experimental, un poco de todo o nada de lo anterior? Basado en una óptica irónica, todas las anteriores preguntas, y algunas más, se plantean en esta exposición.
C/ Belén 2. 28004 Madrid Ver mapa
Director: José Robles
Teléfono: +34 91 550 05 48
Martes a sábado de 11 a 14h. y de 16.30 a 20.30h.
jueves, 24 de marzo de 2011
Esther Achaerandio
Short Tales
Comisaria: Susana Blas
Artista: Esther Achaerandio
¿Quién es el estúpido que va a disparar primero?, 2011"
©Esther Achaerandio. ¿Quién es el estúpido que va a disparar primero?, 2011
©Esther Achaerandio. ¿Quién es el estúpido que va a disparar primero?, 2011 Short Tales presenta una selección de proyectos que la artista viene realizando desde el año 2001 como si de un simple pasatiempo se tratase. La muestra es un resumen que integra una gran variedad formal de propuestas que no pretenden generar una tesis concreta, sino plantear en una formulación constante la pregunta ¿qué pasaría si?. Como respuesta Short Tales ofrece simples narraciones, aunque contundentes, que nos trasladan a un mundo en el que la ficción coexiste con la realidad cotidiana, siempre y cuando “se le eche un poco de imaginación”. En este proyecto de un “Érase una vez” infinito, la ironía y la parodia son ingredientes imprescindibles para entrar en un juego que no tiene otro sentido más que el de entretener.
C/ Lope de Vega 5. 28014 Madrid Ver mapa
Directoras: Pilar y Mayte Castellano
Teléfono: +34 91 429 34 48
Martes a sábado de 11 a 14h. y de 17 a 20:30h.
miércoles, 23 de marzo de 2011
Coco Capitán, Julia Fullerton-Batten, Aino Kannisto, Ellen Kooi, Ion Macareno, Ixone Sádaba y Damián Ucieda
Camara Oscura Galeria de Arteinicio
Todo cuanto hicimos fue insuficiente
Comisario: Edu Hurtado
Artistas: Coco Capitán, Julia Fullerton-Batten, Aino Kannisto, Ellen Kooi, Ion Macareno, Ixone Sádaba y Damián Ucieda
C-print, 102 x 127 cm y 40 x 50 cm. Ediciones: 5 y 10
Todo cuanto hicimos fue insuficiente es un planteamiento en primera persona del plural —y en pasado— que denota la posibilidad de una emancipación colectiva proyectada a futuro. Los artistas de la propuesta tienen como nexo de unión la construcción de un imaginario muy amplio el que aparecen conectados la tensión entre lo individual y lo colectivo, la idea de masa, el conflicto social y la idea de un sujeto global puesto en duda. Las obras seleccionadas trabajan desde una poética documental a veces llevada al límite de la ficción y muestran la dificultad de construirnos en soledad. Son imágenes en las que hay mucho más de lo que se cuenta.
C/ Alameda 16. 28014 Madrid Ver mapa
Director: Juan Curto
Teléfono: +34 91 429 17 34
Martes a viernes de 11 a 14h. y de 16:30 a 20:30h. Sábado de 10 a 17h.
martes, 22 de marzo de 2011
Álvaro Albaladejo y Cristina Ramírez
Impresiones de Mandaglore
Comisarios: David Moriente y Héctor Sanz Castaño
Artistas: Álvaro Albaladejo y Cristina Ramírez
©Álvaro Albaladejo y Cristina Ramírez. Foto de estudio, 2011
A través de las tramas de la ficción y lo real, la imagen y el objeto y, sobre todo, lo ideal y lo sensorial, hemos formulado las bases para un sugerente viaje que tiene como destino una realidad paralela, donde el espectador podrá saciarse de imágenes a veces sólo accesibles mediante el sueño. De este modo, Impresiones de Mandaglore aspira a componer una fábula —análoga a aquéllas de la infancia— y al mismo tiempo un gabinete de curiosidades cuya contemplación permita al visitante sentirse espectador de un mundo distante.
C/ Orellana 10, bajo dcha. 28004 Madrid Ver mapa
Directores: Antonio González y Alex Tejido
Teléfono: +34 91 319 84 02
Lunes de 16:30 a 20:30. Martes a viernes de 10:30 a 14h. y de 16:30 a 20:30h. Sábado de 11 a 14h.
miércoles, 16 de marzo de 2011
Slater Bradley
Shadow
Del 17 de Marzo al 7 de Mayo de 2011
A lo largo de los últimos 12 años Slater Bradley ha llevado a cabo una obra única y singular que culmina en el proyecto que presenta en su nueva exposición. A lo largo de este periodo el artista ha investigado su propia biografía y a través de ella, a la de toda la generación a la que pertenece.
En 1999, cuando tenía 24 años, conoció en una discoteca de Nueva York a su doppelganger, Ben Brock y a partir de ese momento comienzan una colaboración que dura hasta el día de hoy. En vídeos y fotografías Brock ha encarnado a Bradley encarnando a distintas figuras trágicas del imaginario adolescente: Kurt Cobain, Ian Curtis o Michael Jackson que, junto a referencias a la saga de La guerra de las galaxias o personajes como Holden Caulfield, conforman el imaginario a través del cual Bradley exorciza su propia biografía a la vez que refleja a toda una generación.
El juego de espejos que se establece entre el artista Bradley, el doble Brock y los ídolos de la cultura juvenil retratados, conforma uno de los corpus artísticos más ricos y originales de los últimos años al examinar “los efectos psicológicos de la idolatría, el mimetismo y el inconsciente colectivo en la formación de la identidad adolescente de una generación específica: mi generación”.
La obra que presenta en esta ocasión, “Shadow”, se basa en el ultimo rodaje de River Phoenix Dark Blood, que moriría durante el mismo, dejándolo inacabado. Para ello Bradley colabora con el cineasta Ed Lachman, director de fotografía de aquella película, cuya memoria personal es, además, crucial para el proyecto. Ambos viajaron hasta la localización original en el desierto de Utah para rodar este falso prólogo del filme original.
En la narración se mezclan elementos del guión original junto con otros imaginados por Bradley además de hallazgos o referencias al propio proceso creativo establecido entre ambos. Por ejemplo cuando al visitar el bar que frecuentaba Phoenix durante el rodaje encuentran por casualidad fotos del actor en compañía de Lachman y que pasan a convertirse en un elemento capital de “Shadow”.
La obra se convierte en un juego a tres bandas Bradley-Lachman-Phoenix que reflexiona sobre el presente, el pasado y el futuro, la realidad y la ficción, la creación y la memoria.
Ed Lachman (Nueva Jersey, 1946) cineasta y director de fotografía con una carrera única, tanto en Hollywood, incluyendo nominación a los Oscar, como en el cine independiente americano. Ha trabajado para Jean-Luc Godard, Wim Wenders, Bernard Bertolucci, Werner Herzog, Sofia Coppola, Steven Soderbergh o Todd Haynes.
Slater Bradley (San Francisco, Estados Unidos, 1975) ha cultivado tanto la pintura como la fotografía aunque la parte fundamental de su obra son vídeos. Ha participado en la Bienal del Whitney y en exposiciones colectivas en el PS1, el CGAC, el Museo Guggenheim Bilbao o en el Museun of Contemporary Art de Chicago.
Galería Helga de Alvear
Madrid
Del 17 de Marzo al 7 de Mayo de 2011
©Slater Bradley
A lo largo de los últimos 12 años Slater Bradley ha llevado a cabo una obra única y singular que culmina en el proyecto que presenta en su nueva exposición. A lo largo de este periodo el artista ha investigado su propia biografía y a través de ella, a la de toda la generación a la que pertenece.
En 1999, cuando tenía 24 años, conoció en una discoteca de Nueva York a su doppelganger, Ben Brock y a partir de ese momento comienzan una colaboración que dura hasta el día de hoy. En vídeos y fotografías Brock ha encarnado a Bradley encarnando a distintas figuras trágicas del imaginario adolescente: Kurt Cobain, Ian Curtis o Michael Jackson que, junto a referencias a la saga de La guerra de las galaxias o personajes como Holden Caulfield, conforman el imaginario a través del cual Bradley exorciza su propia biografía a la vez que refleja a toda una generación.
El juego de espejos que se establece entre el artista Bradley, el doble Brock y los ídolos de la cultura juvenil retratados, conforma uno de los corpus artísticos más ricos y originales de los últimos años al examinar “los efectos psicológicos de la idolatría, el mimetismo y el inconsciente colectivo en la formación de la identidad adolescente de una generación específica: mi generación”.
La obra que presenta en esta ocasión, “Shadow”, se basa en el ultimo rodaje de River Phoenix Dark Blood, que moriría durante el mismo, dejándolo inacabado. Para ello Bradley colabora con el cineasta Ed Lachman, director de fotografía de aquella película, cuya memoria personal es, además, crucial para el proyecto. Ambos viajaron hasta la localización original en el desierto de Utah para rodar este falso prólogo del filme original.
En la narración se mezclan elementos del guión original junto con otros imaginados por Bradley además de hallazgos o referencias al propio proceso creativo establecido entre ambos. Por ejemplo cuando al visitar el bar que frecuentaba Phoenix durante el rodaje encuentran por casualidad fotos del actor en compañía de Lachman y que pasan a convertirse en un elemento capital de “Shadow”.
La obra se convierte en un juego a tres bandas Bradley-Lachman-Phoenix que reflexiona sobre el presente, el pasado y el futuro, la realidad y la ficción, la creación y la memoria.
Ed Lachman (Nueva Jersey, 1946) cineasta y director de fotografía con una carrera única, tanto en Hollywood, incluyendo nominación a los Oscar, como en el cine independiente americano. Ha trabajado para Jean-Luc Godard, Wim Wenders, Bernard Bertolucci, Werner Herzog, Sofia Coppola, Steven Soderbergh o Todd Haynes.
Slater Bradley (San Francisco, Estados Unidos, 1975) ha cultivado tanto la pintura como la fotografía aunque la parte fundamental de su obra son vídeos. Ha participado en la Bienal del Whitney y en exposiciones colectivas en el PS1, el CGAC, el Museo Guggenheim Bilbao o en el Museun of Contemporary Art de Chicago.
Galería Helga de Alvear
Madrid
lunes, 14 de marzo de 2011
PACO JUNQUERA: RETROSPECTIVA
©Paco Junquera
Nacido en Madrid en 1946, Paco Junquera se inicia como fotógrafo en 1981dentro de la Agencia Cover, de la que es director en 1987 y 1988.
Ha trabajado como Editor gráfico en la revista TIEMPO y COVER y como fotógrafo para las Agencias: Cover, Zardoya, Korpa, Ikaro, ASA, IberImage y Nauta Press.
En su faceta como docente, ha impartido clases y seminarios de fotoperiodismo en diversos cursos de la Universidad Francisco de Vitoria, Universidad Rey Juan Carlos y en el Master Internacional de Fotografia de EFTI.
Como escribe Eduardo Momeñe en el texto de la exposición:
“Las fotografías de Paco Junquera son una muestra del mejor fotoperiodismo hecho en nuestro país. Es la calidad de un fotógrafo que ha tenido el privilegio de ser testigo de uno de los periodos trascendentales de nuestra historia, la transición española, cuando había mucho por hacer, mucho por descubrir, y finalmente mucho por innovar”.
“En esta exposición que EFTI presenta, podemos ver algunas de las fotografías que Paco obtuvo en aquellos días, fotografías que siguen ahí, y que seguirán por muchos años. Unas imágenes que, entre otras cosas, nos permiten acceder al mundo político, cultural y social de una época muy importante, y ello con la mirada, comprometida y humana, en la distancia justa, nítida, de un fotógrafo apasionado por la realidad de su país, y por supuesto por su cámara y por todo aquello que se parezca a una buena fotografía, incluido el mejor blues de Nueva Orleans”
Sala Efti
Madrid
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