Un trabajo fotográfico para la preservación de indicios, a cargo de Norbert Enker“Nadie tiene intención de levantar un muro.”
Walter Ulbricht, Presidente del Consejo de Estado de la RDA, el 15 de junio de 1961.
El ritmo de la reunificación alemana marcó también el compás del desmantelamiento del muro. Registrar en imágenes y documentar el proceso de cicatrización de una herida histórica, a ser posible hasta que alcanza una homogeneidad completa: tal es el tema de este trabajo fotográfico
Oscar Niemeyer nació en la ciudad de Río de Janeiro en 1907, en el barrio de Laranjeiras, en una calle que después recibiría el nombre de su abuelo, Ribeiro de Almeida. Pasó su juventud como el típico carioca bohemio de la época, sin preocupaciones por su futuro. Concluyó la educación secundaria a los 21 años. Ese mismo año, se casó con Annita Baldo, hija de inmigrantes italianos de Padua. El matrimonio le dio sentido de responsabilidad, decidió trabajar e ingresar a la universidad. Comenzó a trabajar en el taller de tipografía de su padre y entró en la Escuela de Bellas Artes (Brasil), de donde se graduó como ingeniero arquitecto en 1934. A pesar de las dificultades financieras por las que estaba atravesando, decidió trabajar gratis en el estudio de los arquitectos Lúcio Costa y Carlos Leão. Niemeyer se sentía insatisfecho con la arquitectura existente en la ciudad y decidió que podía encontrar una carrera en ese nicho.
En 1945, ya como un arquitecto de cierta reputación, se unió al Partido Comunista de Brasil. Niemeyer era sólo un niño en la época de la Revolución Rusa de 1917, y por motivo de la Segunda Guerra Mundial se convirtió en un joven idealista. Fue un comunista muy entusiasta, actitud que le costaría caro más tarde en su vida. Fidel Castro una vez dijo: «Niemeyer y yo somos los últimos comunistas de este planeta». Niemeyer visitó la URSS, conoció varios líderes socialistas y se convirtió en amigo personal de algunos de ellos.
En 1956 el urbanista Lúcio Costa gana el concurso de proyectos para escoger la nueva ciudad capital en el centro del país, que sería Brasilia, y por iniciativa del presidente Kubitschek, Oscar Niemeyer es convidado a trabajar en el proyecto de la nueva capital. Niemeyer queda a cargo de los proyectos de los edificios y Lúcio Costa del plan de la ciudad y toda la parte urbanística. En pocos meses, Niemeyer diseña decenas de edificios residenciales, comerciales y administrativos. Entre ellos la residencia del Presidente (Palácio da Alvorada); el Congreso Nacional (la Cámara de los Diputados y el Senado Federal); la Catedral de Brasilia; el Palacio de Itamaraty, sede de la cancillería; la sede del Supremo Tribunal Federal; los edificios de los ministerios, y la sede del gobierno, el Palacio del Planalto. La catedral es considerada especialmente bella, con diversos simbolismos modernos.
En Europa inicia una nueva fase de su vida y obra. Abre una oficina en los Campos Elíseos, y consigue clientes en diversos países. En Argelia diseña la Universidad de Constantina y en 1970, la mezquita de Argel. En Francia crea la sede del Partido Comunista Francés ([1]), el Place du Colonel Fabien, y en Italia la sede de la Editora Mondadori. En Portugal realiza una obra en la ciudad de Funchal, el Pestana Casino Park. Otro diseño sobresaliente es la Mezquita Estatal de Penang en George Town, la capital del estado de Penang (Malasia), realizada en los años setenta. Después del final de la dictadura en los años ochenta, Niemeyer vuelve a Brasil. Él mismo define esta época como el inicio de la última fase de su vida. En este período Niemeyer hizo el Memorial JK, en Brasilia (1980), el edificio-sede de la Red de Televisión Manchete (1983), los CIEPs (centros integrados de educación pública) y los sambódromos de las ciudades de Río de Janeiro (1984) y de São Paulo (1991), el Panteón de la Patria, en Brasília (1985) y el Memorial de América Latina (1987), en São Paulo. Este último tiene una bella escultura representando una mano herida como un Cristo, de cuya llaga sangra América Latina.
En 1989 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
Entre 1991 y 1996 realizó lo que muchos consideran su obra prima, el Museo de Arte Contemporânea de Niterói (MAC). Es un museo en un lugar improbable, con una forma bella y original, una escultura que se proyecta sobre la piedra, dando una linda visión de la Bahía de Guanabara y de la ciudad de Río de Janeiro. El 22 de noviembre de 2002 fue inaugurado el complejo que abriga el Museo Oscar Niemeyer, en la ciudad de Curitiba (Paraná), en la región sur de Brasil. Esta obra es un anexo al museo original diseñado por el mismo Niemeyer.
El 15 de diciembre de 2006, con casi 50 años de atraso, fue inaugurado el Museo Nacional Honestino Guimarães y la Biblioteca Nacional Leonel de Moura Brizola, que forman juntos, el mayor centro cultural de Brasil, denominado Complejo Cultural de la República, ubicado en la Explanada de los Ministerios en Brasilia. La inauguración fue programada para coincidir con el aniversario 99 de Oscar Niemeyer.
En el transcurso de ese año planificó un balneario para la ciudad de Potsdam, en Alemania, previsto para 2007, pero las obras fueron canceladas antes de su inicio debido a sus dimensiones faraónicas. Ya fue invitado a diseñar un estadio con motivo de la Copa Mundial de Fútbol de 2014 que será organizado por Brasil.
En abril de 2007 se inaugura el Teatro Popular Oscar Niemeyer de Niterói en Río de Janeiro, obra dedicada a Brasil simbolizado con los colores verde, amarillo, azul y blanco. Ese mismo año desarrolla en España su más grande proyecto en Europa. Como agradecimiento a su condecoración por la Fundación Príncipe de Asturias, Oscar Niemeyer ha cedido a esta institución un proyecto para el Museo Internacional de los premios Príncipe, que se ubicará en Avilés, en el Principado de Asturias. Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer (o también Centro Niemeyer), complejo de estética provocadora, es un resumen de la mejor aquitectura del brasileño y ha sido descrito por éste como «una gran plaza abierta a todos los hombres y mujeres del mundo, un gran palco de teatro sobre la ría y la ciudad vieja».
En 2008, presentó el proyecto Puerto de la Música, que se realizará en Rosario (Argentina) en el parque Urquiza, cercano al Monumento a la Bandera.
El 10 de enero de 2009 y con 101 años de edad, Oscar Niemeyer, presentó un nuevo proyecto, la Plaza de la Soberanía, que será realizada en la Explanada de los Ministerios, en Brasilia. Dicha plaza se estima será inaugurada en abril de 2010, contará con un Memorial de los Presidentes de Brasil, y un monumento en homenaje al cincuentenario de la capital.
Conmemoración del centenario del fallecimiento de Isaac Albéniz.
Hasta el 30 de agosto de 2009
IBERIA. APUNTES PARA UNA PELÍCULA. Originales de Carlos Saura
Durante 2004, el cineasta Carlos Saura realizó varios apuntes y dibujos sobre el guión original de su película Iberia (2005).
Coincidiendo con el centenario del fallecimiento de Isaac Albéniz (1860-1909) la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) ha incluido el facsímil de estos apuntes dentro del volumen editado en homenaje al uno de los compositores más importantes de nuestro país que logró superar el estancamiento y los lugares comunes de la música española adelantándose, incluso, a determinados aspectos de la música europea del siglo XX.
En Fnac te ofrecemos una exposición de los dibujos y anotaciones originales que Carlos Saura realizó sobre el guión de esta película que une el flamenco cantado y bailado con la música clásica, el ballet y la danza contemporánea, en una serie de cuadros donde la narración se realiza únicamente con imágenes.
En esta producción, que recibió en 2006 el Goya a la Mejor Fotografía, la cámara se convierte en un artista más que comparte la preparación, los ensayos y la gestación de cada actuación con los músicos y bailarines.
La SECC publica Edición Conmemorativa del Centenario de Isaac Albéniz, un Libro/DVD que incluye en un estuche:
1. Isaac Albéniz, el color de la música (Documental. 52 minutos) dirigido por José Luis López-Linares.
2. Iberia (2005) de Carlos Saura junto con Apuntes para una película, el facsímil del guión del filme ilustrado con dibujos del cineasta.
3. Albéniz, soñar España. Una biografía del fundador de la música española moderna escrita por el musicólogo Andrés Ruiz Tarazona.
Gerhard Richter es considerado como uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo, sin limitarse a una única disciplina.
Richter ha entablado un fructífero diálogo entre la pintura y la fotografía del que nacen sus fotografías pintadas, imágenes de pequeño formato tomadas durante sus viajes, paseos o en su propia casa. Las instantáneas que no encuentran un hueco en su álbum personal por su falta de concreción, desenfoque o por ser duplicados, son posteriormente pintadas. Arrastrando las fotografías por pintura húmeda, Richter crea imágenes nuevas. Procedentes de colecciones privadas y de la propia colección del artista, las más de 300 fotografías expuestas en Fundación Telefónica reflejan la intensidad y la constancia con la que Richter ha trabajado en este proyecto desde 1989 hasta la actualidad.
ROSTROS BORRADOS. HUELLAS DE CARTELES EN LAS PAREDES
Hasta el 30 de septiembre de 2009.
Nadie mira la lenta descomposición de lo que no existe. Pasamos rozando como las alas del ángel. Una vida inanimada late en los murales, pero todo el mundo pasa, pasa y mira al suelo. Berlín, la metrópolis, se cierne ante los ojos del fotógrafo recién llegado. Albert Corbí, llega desde su Mediterráneo con hambre de capturar con su vieja Leica un poco de la leyenda de la capital de la Mitteleuropa.
El ángel, el cielo, los subterráneos, los pasos perdidos. El gran escenario saturado de guiños, poblado de leyendas modernas. Pero a espaldas de las construcciones y los parques, el zoológico y los museos, los cines y los barrios del Este, a espaldas de todo lo más rimbombante, mira entre los escombros. Y encuentra una vieja revista de moda con las páginas humedecidas y su melancolía le lleva a la misma mirada que esos pasajeros que encuentra mirándose a sí mismos, perdidos en la soledad de los andenes del metro. ¿Qué hacemos mirando lo que ha sido ya mirado tantas veces y caído en desuso?
Estamos en Berlín y la historia que se apodera del fotógrafo es una historia de un ready-made, como la rueda de la bicicleta de Marcel Duchamp, algo que inconscientemente gira en la mente, un laberinto del que el espectador cae súbitamente prisionero y va envenenado su mirada.
Cuando, hace unos años, Albert Corbí mereció el Nuevo Talento Foto por el trabajo Red Night, se adivinaba ya su talento para caminar por el laberinto de Circe y orientarse entre las sombras, como el minero que en las galerías subterráneas lleva el flash en la frente. El útero de un gimnasio periférico concitaba esa melancolía por el esfuerzo solitario de los nuevos gladiadores anónimos. En las paredes estaban, una vez más, los carteles como testigos mudos de gestas que el tiempo humedecería e ignoraría. Ahora, en Berlín, el hallazgo es esa belleza de las revistas de moda encontradas por casualidad en el cesto de la basura, la melancolía de las modelos de Armani como Venus de Samotracia en la ciudad del Pérgamo y la puerta de Brandeburgo ajusticiada por las goteras silenciosas de la modernidad, y al otro lado del andén, la gente con el paso detenido mirando fijamente las vías, esperando el tren que les adentra en los túneles, en las galerías de la mina. En toda esa multitud nadie habla, y la mirada es un ejercicio que apunta a un catálogo de objetos perdidos, hacia ese punto de fuga donde ninguna trayectoria coincide. Un objeto encontrado, la mirada, una metáfora de nuevo habitada, la oscuridad, la galería, los túneles que se asoman a un misterio de la identidad.
¿Es el azar el que preside este encuentro, o un estigma cultural? No sabemos bien si ya estaba ahí, anterior a todo, la percepción cultural aplastante o esa cámara en manos del fotógrafo, ese juguete inútil. En cualquier caso, la historia de una tradición y el deseo de afianzarse con una mirada de autor llevan a ese encuentro con la ciudad, un concepto que no proyecta aquí ninguna arquitectura, sino esa huella de los pasos perdidos, del azar y de la melancolía, esa búsqueda en la basura para encontrar un sentido a los detritus de los que nosotros y la estética contemporánea somos huérfanos.
MADRID. FNAC PARQUESUR (Leganés). Centro Comercial Parquesur. Calle Gran Bretaña, s/n. 'Berlín'
La Fundación Arquitectura del colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) organiza cada año, en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Hermandad de Arquitectos, Metro de Madrid, Renfe-Cercanías y EFTI, la SEMANA DE LA ARQUITECTURA, que este año tendrá lugar del 5 al 11 de octubre de 2009. Es una ocasión para presentar ante el gran público todo tipo de creaciones y actividades que tengan relación con la arquitectura entendida en un sentido amplio y tienen cabida todo tipo de visitas, exposiciones, conferencias, ciclos y actividades relacionadas de alguna manera con la arquitectura.
Entre estas exposiciones figura la titulada “New York” de Alfonso Zubiaga. Fotógrafo de publicidad y ganador de multitud de premios, Alfonso es también un gran comunicador dentro del arte conceptual.
En los lugares donde se encontraban las tierras de cultivo, han surgido invernaderos y con ellos, la mayor concentración de inmigración de Europa. La fotografía de Laura Brinkmann (Málaga, 1977) expresa la visión de mares impermeables, el microclima del inmigrante y los desiertos áridos de la costa. Un trozo de mundo cubierto con su propio cielo, su propia temperatura, su propia vegetación, su disciplina y cotidianidad.
GALERÍA EVELYN BOTELLA Mejía Lequerica, 12, 1º dcha. 28004 Madrid
Mistaken Identity, una muestra de The Hilton Brothers
Hasta el 30.08.09
La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid acoge la muestra Mistaken Identity de The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg). Los Hilton Brothers surgen como identidad artística de una serie de colaboraciones entre estos dos artistas. Hace años, durante un viaje, se dieron cuenta de que les interesaban los mismos temas y, como juego, decidieron empezar a fotografiar las mismas cosas. La idea de la identidad, quién tomó qué foto y porqué esa diferencia se discernía, les llevó a empezar una serie de dípticos en los que fotografiaban dos objetos por separado para luego unirlos en la misma impresión. Así comenzaron a explorar otros proyectos en colaboración.
Las fotografías de los Hilton poseen un punto de vista en el que la ingenuidad se encuentra tamizada por un cierto cinismo contemporáneo. Sus imágenes, recogidas en sus viajes por el mundo, acaban por ser parceladas y reconstruidas, sin que las diferentes ubicaciones de lugares sean otra cosa que paneles de retazos estéticos, para conformar obras que forman parte intrínseca de su filosofía de vida, del gusto y la cultura americana.
Los 65 trabajos que se presentarán en ésta exposición parten desde su desarrollo como artistas individuales, hasta su trabajo actual, momento en el que sus fotografías se convierten en obras conformadas por dos identidades, que se funden y desaparecen. Con sus retazos de realidad, buscan abrir una ventana para el espectador, por la cual asomarse para descubrir la confluencia extraña que se produce entre lo chocante y lo estético. Los Hilton pretenden presentar su modo de hacer arte frente al complejo, desafiante y banal mundo del siglo XXI.
Además y como una de las actividades paralelas, Los Hilton Brothers expondrán en un taller dirigido a los jóvenes artistas, sus conocimientos, y estrategias para trabajar en el complejo medio artístico. Las formas de acercarse a la esfera de círculos que estimulan la producción de proyectos artísticos y cómo proponer diversas formas de creación a posibles patrocinadores.
Como cada año, coincidiendo con el festival Internacional de Fotografía Photoespaña09, EFTI presenta una exposición colectiva sobre los trabajos de los alumnos del curso Máster 08/09 que fue inaugurada el 10 de Julio y se podrá ver hasta el 31 de Julio de 2009.
Fotógrafa graduada en Fotografía y Artes Visuales por la Universidad Miguel Hernández de Elche (Alicante) es además Licenciada en Educación Física. Ha recorrido con su cámara multitud de países y lugares en un intento de ser lectora de un mundo enormemente confuso: Vietnam, Camboya, Tailandia, India, Nepal, Cuba, Venezuela, Ecuador, Kenia, Turquía, Marruecos, Madagascar, Europa,…
Aún huyendo de las etiquetas, su labor fotográfica se mece entre la fotografía de autor y un nuevo documentalismo, donde la cámara es un medio de búsqueda personal de respuestas a la relación de la propia autora con el mundo. Al mismo tiempo que la cámara se convierte en instrumento para satisfacer su propia curiosidad respecto al entorno y de las preguntas que este plantea. Suele trabajar temas de largo recorrido en el tiempo, actuales, íntimos, emocionales, generalmente fuera del foco de la noticia.
La fotografía de Susana Girón aporta material nuevo y lejano. Su trabajo se traza en la tierra, se percibe en las pisadas y se descifra en el polvo. Ese descubrimiento resulta emocionante, se transmite, y surge una fuerza irrepetible en la fotografía. Uno tiene la impresión de que todo lo que ve ha sido dispuesto para la fotografía y que, inevitablemente, la verdadera historia o anécdota de la imagen está surgiendo naturalmente en la mente del pensador. Es un placer auténtico detenerse en los detalles, sentirse atrapado en la sensación de algo que nunca se había presenciado, y es en ese mismo efecto donde radica su virtud. La dura mirada de la realidad se ha convertido en técnica impresionante y emotiva, y el detalle en algo extrañamente personal, producto más del sentimiento y la observación que de la mente. Lo que importa es el resultado final, lo que siempre ha estado ahí. Cerca. La fotografía de Susana Girón avanza continuamente sobreviviéndonos.
Participa en exposiciones asiduamente y sus obras han sido expuestas y premiadas en diversos concursos y certámenes. Actualmente trabaja como freelance para la agencia Millenium Images (Londres) y realiza encargos para diversas entidades, medios de prensa y galerías. Ha realizado proyectos para ANESVAD (“Lepra en Mumbai”), La Consejería de Medio Ambiente de la Comunidad de Madrid (“El Tajo”) y publicado en diversos medios de prensa (ABC, Todo Sur, 7 días Andalucía, Campo Base…). Desde hace 2 años trabaja en el proyecto “Legados: Generaciones en Tránsito”, donde a partir de su experiencia personal, plantea una reflexión sobre el papel de la mujer en el cambio social y la conservación de la tradición. Dicho proyecto ha formado parte de las exposiciones del Festival Internacional de Fotografía de Braga (Encontros da imagen 09). También conviene destacar la elaboración del audiovisual patrocinado por la CAM que acompaña a la exposición de la pintora Elena Aguilera.
De origen granadino y andaluz, actualmente reside entre Londres y Madrid.
Exposición organizada por el International Center of Photography de Nueva York (ICP) en coproducción con el MNAC.
Gerda Taro (1910-1937) fue una fotoperiodista avanzada a su tiempo cuya breve carrera consta casi exclusivamente de las sobrecogedoras fotografías tomadas en el frente de la Guerra Civil española. Sus imágenes, ampliamente reproducidas en la prensa izquierdista francesa, incorporaban elementos propios de la Nueva Visión, movimiento aparecido en Alemania hacia 1920, así como una proximidad física y emocional con el sujeto. Taro trabajó junto a Robert Capa, su compañero profesional y sentimental, en el marco de una estrecha colaboración. En julio de 1937, cuando cubría la decisiva Batalla de Brunete, murió aplastada por un tanque. Sus fotografías son un testimonio espléndido aunque poco conocido de aquel momento crucial en la historia de la fotografía de guerra. El ICP conserva la mayor colección de sus obras, formada por originales en papel y negativos. Esta exposición, la primera gran retrospectiva dedicada a esta fotoperiodista y que ahora puede verse de forma excepcional en España, presenta fotografías, libros y revistas en las que se utilizaron imágenes de Taro.
También se exhiben 2 fotografías inéditas procedentes de la conocida como “maleta mexicana”, recuperada en México en 2007. Su estudio ha sacado a la luz instantáneas de la Guerra Civil española tomadas por Capa, Taro y el también fotoperiodista David Seymour “Chim”.
Compartiendo sala con esta muestra, el MNAC exhibe ¡Esto es la guerra! Robert Capa en acción, dedicada a este pionero del fotoperiodismo de guerra.
El MNAC acoge las dos exposiciones precisamente en 2009, cuando se cumple el 70 aniversario del fin de la Guerra Civil española.
Actividades
Conferencias Martes 7 de julio, a las 19 h, Auditorio del MNAC
Robert Capa at Work, a cargo de Cynthia Young, Asistenta de Conservación del International Center of Photography, Nueva York, y comisaria de la exposición.
Gerda Taro: Retrieving History, a cargo de Kristen Lubben, Conservadora Asociada del International Centre of Photography, Nueva York, y comisaria de la exposición.
Robert Capa y la Guerra Civil: arte, imagen y memoria Curso enmarcado en Els Juliols de la UB Del 13 al 17 de julio de 2009, Auditorio del MNAC Información y matriculación: www.ub.edu/juliols
Proyección del largometraje La sombra del iceberg. Una autopsia de la mítica fotografía de Robert Capa El miliciano muerto (VOSE) Miércoles, 15 de julio, a las 17.30 h, Auditorio del MNAC Entrada gratuita. Plazas limitadas. Confirmación asistencia: tel. 93 622 03 75
Jueves de verano 9, 23 y 30 de julio, entrada libre a las exposiciones de 19 a 22 h
Jornadas de puertas abiertas Jueves 10 de septiembre, Nit 10 TVC, de 19 a 22 h Viernes 11 de septiembre, Diada Nacional de Catalunya, de 10 a 14.30 h Jueves 24 de septiembre, La Mercè, de 10 a 14.30 h
Hagamos Memoria La Guerra Civil a través de vuestras fotografías Muestra del 22 al 27 de septiembre Una iniciativa del MNAC y El Periódico Más información: www.mnac.cat i www.elperiodico.cat/memoria
Iniciativa conjunta entre el MNAC y El Periódico, mediante la cual le convocamos a que nos envíe sus imágenes familiares del período de la Guerra Civil. Posteriormente, las fotografías seleccionadas configurarán la exposición que se podrá ver el próximo mes de septiembre en el MNAC.
Visitas comentadas Servicio gratuito (incluido con la entrada de la exposición) Sábados a las 11 h (castellano) y a las 12.30 h (catalán) a partir del sábado 18 de julio Duración: 1 h 30 min. Plazas limitadas
Los dispositivos de audio se entregan 20 minutos antes de cada visita en el mostrador de grupos. Para facilitar el reparto, le rogamos máxima puntualidad.
En casos excepcionales, el Museo puede variar las condiciones de acceso a la visita guiada. Rogamos disculpe las molestias.
Presentando la entrada a las exposiciones o la general del Museo en la Librería del MNAC, obtendréis un 5 % de descuento en la adquisición de los catálogos (valido hasta el 27 de septiembre de 2009)
MNAC - Montjuic Museu Nacional d'Art de Catalunya Palau Nacional. Parc de Montjuïc 08038 Barcelona
Bajo el título New Architectures la Galería Max Estrella presenta una selección de los últimos trabajos en gran formato del reconocido fotógrafo alemán Roland Fischer quien ha venido desarrollando su labor creativa a través de diversas series. En la actualidad, centra su trabajo en los coloristas espacios creados por el arquitecto mexicano Luis Barragán, así como en edificios emblemáticos de la arquitectura contemporánea como la Villa Savoye de Le Corbusier y otros autores como Calatrava, Siza o Niemeyer, sintetizando, a menudo en una sola composición la combinación de varias imágenes diferentes de dichos edificios.
Considerado como uno de los exponentes de la influyente escuela alemana de fotografía, Fischer ha centrado su obra en el retrato en el más amplio sentido del término. Retrata la piel o la fachada tanto de personas como de arquitecturas. Así, las fachadas de edificios contemporáneos se despojan de referentes hasta convertirse en meras abstracciones.
Viajero compulsivo, ha recorrido los 5 continentes para mostrar su particular visión del mundo buscando edificios contemporáneos con una especial carga simbólica. Los protagonistas de sus imágenes son breves y densos fragmentos de sedes de corporaciones y grandes compañías de París, Nueva York, Chicago, Hong Kong, Singapur, Pekín.... Al fragmentar la piel del edificio, Fischer transforma la arquitectura en geometría, en formas y colores artificiales y de matices tecnológicos remitiendo al urbanismo frío de una sociedad estereotipada y sin embargo espectacular. Así, en su prolongada estancia en China, donde su vertiginosa arquitectura le permitió desarrollar su serie "Façades", al mismo tiempo retomó las series de retratos con unos bellísimos bustos de mujeres orientales sumergidas en piscinas monocromas,
La obra de Roland Fischer está representada en algunas de las más importantes colecciones europeas y americanas de arte contemporáneo, entre ellas las de los Museos de Arte Moderno de París, Estrasburgo y Amberes.
La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid presenta, por primera vez en España, una exposición sobre The Hilton Brothers, artistas neoyorkinos que trabajan sobre las apariencias de lo real. La muestra, bajo el título de Mistaken Identity y comisariada por Lola Garrido, mostrará los trabajos de Christopher Makos y Paul Solberg desde sus comienzos, en una visión individual de sus obras, hasta sus últimos trabajos juntos
Las 65 obras que se presentarán en ésta exposición parten de fotografías recogidas en diversos viajes reconstruidas digitalmente. Los Hilton presentan su modo de hacer arte frente al complejo, desafiante y banal mundo del siglo XXI
La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid acoge la muestra Mistaken Identity de The Hilton Brothers (Christopher Makos y Paul Solberg). Los Hilton Brothers surgen como identidad artística de una serie de colaboraciones entre estos dos artistas. Hace años, durante un viaje, se dieron cuenta de que les interesaban los mismos temas y, como juego, decidieron empezar a fotografiar las mismas cosas. La idea de la identidad, quién tomó qué foto y porqué esa diferencia se discernía, les llevó a empezar una serie de dípticos en los que fotografiaban dos objetos por separado para luego unirlos en la misma impresión. Así comenzaron a explorar otros proyectos en colaboración.
Las fotografías de los Hilton poseen un punto de vista en el que la ingenuidad se encuentra tamizada por un cierto cinismo contemporáneo. Sus imágenes, recogidas en sus viajes por el mundo, acaban por ser parceladas y reconstruidas, sin que las diferentes ubicaciones de lugares sean otra cosa que paneles de retazos estéticos, para conformar obras que forman parte intrínseca de su filosofía de vida, del gusto y la cultura americana.
Los 65 trabajos que se presentarán en ésta exposición parten desde su desarrollo como artistas individuales, hasta su trabajo actual, momento en el que sus fotografías se convierten en obras conformadas por dos identidades, que se funden y desaparecen. Con sus retazos de realidad, buscan abrir una ventana para el espectador, por la cual asomarse para descubrir la confluencia extraña que se produce entre lo chocante y lo estético. Los Hilton pretenden presentar su modo de hacer arte frente al complejo, desafiante y banal mundo del siglo XXI.
Además y como una de las actividades paralelas, Los Hilton Brothers expondrán en un taller dirigido a los jóvenes artistas, sus conocimientos, y estrategias para trabajar en el complejo medio artístico. Las formas de acercarse a la esfera de círculos que estimulan la producción de proyectos artísticos y cómo proponer diversas formas de creación a posibles patrocinadores.
Sobre The Hilton Brothers
Con un seudónimo inspirado por las Hilton Sisters, las estrellas de vodevil siamesas de los años treinta, y por las hermanas Hilton de nuestros días, las famosas herederas norteamericanas del imperio hotelero, que personificaron la banalidad de la cultura pop en los albores de este nuevo siglo, Makos explica "nuestra vida es nuestro arte, y lo es tanto como componemos en nuestras fotografías, y las editamos. Nos gusta divertirnos con nuestra identidad tanto como divertir a los demás".
Su arte no se reduce únicamente al entretenimiento de representar la dualidad de la identidad contemporánea, sino que al igual que sus desplazamientos, sus viajes y su creación buscan convertirlo en una suerte de de placer de vivir, creando y siendo artista.
Cuando en 2004 se reunieron para crear los Hilton Brothers la cultura americana y el arte se encontraban en el momento álgido de lo banal, momento en el que se buscaba una huída y alejamiento a través de la frivolidad para olvidar unos tiempos duros y difíciles, cómo lo son todos los periodos de guerras.
The Hilton Brothers aclaran que su arte no es una forma de crítica política, sino que lo enmarcan en su deseo de producir objetos que respondan a la idea tradicional de lo que popularmente se reconoce cómo bonito.
Cristopher Makos, trabajó con Andy Warhol y fue colaborador de Man Ray, por lo que la sofisticación e ironía de los dos autores son parte consustancial de lo que reconocen como influencias. Paul Solberg, estudiante de antropología, comparte con Makos no sólo la identificación con su modo de ver el mundo, sino que cree en su concepto de unir retazos del mundo desplazándose por él. Christopher Makos, biografía
Christopher Makos nació en Lowell, Massachusetts, se crió en California, mudándose posteriormente a París para estudiar arquitectura y trabajar como ayudante de Man Ray. Makos está muy unido a España y concretamente a Madrid desde que en 1983 vino de la mano de Andy Warhol. Aquí vivió largas temporadas que le permitieron hacer grandes amigos y fotografiar a algunos de los protagonistas de la movida madrileña. Andy Warhol calificó a Makos como “el fotógrafo más moderno de América”.
Makos ha expuesto sus fotografías en numerosas galerías y museos internacionales, entre ellos, el Museo Guggenheim de Bilbao, el Whitney Museum of American Art, en Nueva York, el IVAM de Valencia, La Casa Encendida en Madrid, y recientemente el Centro de Arte Contemporáneo Ullens en Pekín, China. En 2007 el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid adquirió dos de sus retratos de Warhol de gran formato para su colección permanente. Sus imágenes han aparecido en innumerables revistas y periódicos de todo el mundo, entre ellos, Architectural Digest; Interview; Forbes; ELLE Decor; Rolling Stone; New York Magazine; Condé Nast Traveler, España; y Life Magazine, China. Es asimismo autor de varios libros destacados, como White Trash (Stonehill, 1977), y también algunos más recientes como Warhol/Makos In Context (PowerHouse, 2007), y ANDY WARHOL IN CHINA 1982 (timezone8, 2008). En la actualidad vive en Nueva York.
Paul Solberg, biografía
Paul Solberg nació en St. Paul, Minnesota; estudió antropología y fotografía en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Su primer libro publicado, Bloom, tiene como tema el mundo de las “flores como objeto”. Su segunda publicación, realizada en colaboración con Makos para la Comunidad de Madrid, se tituló 31.12.06. En su tercer libro, titulado Puppies Behind Bars y también realizado con Makos, los prisioneros y los perros son el tema fundamental. Las fotografías de Solberg han sido publicadas, entre otras, en Condé Nast Traveler, Publisher´s Weekly, Elle, Lucky y Ocean Drive, además de las publicaciones europeas Vanidad y Alter Ego. Sus obras han sido igualmente expuestas en Ralph Pucci (Nueva York), Chiaroscuro Gallery (Arizona), Young Gallery (Bruselas), Flo Peter´s Gallery (Hamburgo), ARCO (Madrid) y Paris Photo con la galería Baudoin Lebon. Solberg vive actualmente en Nueva York.
La comisaria, Lola Garrido
Lola Garrido Armendáriz ha sido directora de proyectos fotográficos de la Fundación Banesto y estuvo encargada de conformar la colección que más adelante fue cedida al MNCARS. Ha dirigido durante más de seis años la Fundación Fotocolectania y durante tres el Canal de Isabel II. Ha comisariado múltiples exposiciones fotográficas y es una destacada coleccionista. Como crítica de arte, colabora habitualmente en la cadena Ser, La Vanguardia, El País y otros medios.
La comisaria de la exposición, Lola Garrido, nos dice sobre la misma: “El espíritu de Warhol es una referencia obligada a la hora de abordar los trabajos de The Hilton Brothers por la afirmación de que todo es bello: los objetos, las mercancías, e incluso todos nosotros somos, por lo menos en algún momento de nuestra vida, bellos. Si algo resulta esclarecedor en el trabajo de estos fotógrafos es que a fuerza de documentar países y viajes, al mezclarlos y deconstruirlos se da la desaparición de lo real, parte fundamental de esa identidad pérdida, que alumbra la nueva.
Sus obras son producto de desplazamientos, de aventuras controladas, viajes de conocimiento y re-conocimiento, sin que lleguen a existir en sus obras, otra cosa que una afirmación permanente de las apariencias. Frente a la teoría, su obra está trabajada con las armas del humor, la ironía, la parodia, y el contraste.
Los Hilton, son artistas de ahora mismo, y artistas de ellos mismos. Como sugería Barthes a propósito del discurso publicitario, son los capaces de vivir la vida como una continua cita y no como una fatalidad”.
El catálogo de la exposición En el catálogo editado con motivo de la muestra, se recogen la totalidad de las obras que se presentaran en la exposición. En él se incluyen textos de Peter Wise, director de proyectos de Hilton Brothers, de la artista Alaska, y de la comisaria de la muestra, Lola Garrido.
Desde 1960, Malick Sidibé (Mali, 1936) realizó fotografías en su estudio de Bamako, Studio Malick.
Estas imágenes documentan la cultura popular de su ciudad con una mirada pura. La gran cantidad de fotos que obtuvo durante los años 70 dieron lugar a una vasta catalogación de tipologías urbanas conseguidas mediante una labor de documentación sincera y exenta de complejos de superioridad. El resultado: una fotografía alejada de los prejuicios de la mirada occidental hacia otras culturas.
Juande Jarillo (Granada, 1969) presenta una serie de fotografías dispuestas a modo de secuencia que recorre todo el espacio de la sala. La exposición Desilusiones ópticas se construye forzando una continuidad inestable, un paseo por sugerencias muy dispares que conducen a una lectura plagada de incongruencias y ambigüedades y que termina por minar la propia lógica descriptiva de cada imagen.
Nuevas Arquitecturas (New Architectures) 06 -07.2009
Fachadas de edificios y personas, piel y hormigón. Roland Fischer (Munich, 1958) fotografía lo externo en busca de la esencia, reduciéndolo a pura abstracción. Viajero infatigable, Fischer lega su personal visión de China a través de su arquitectura y de una serie de retratos de bustos femeninos. En la actualidad trabaja sobre los espacios coloristas del mexicano Luis Barragán y con edificios clásicos contemporáneos como la Villa Savoye.
GALERÍA MAX ESTRELLA Santo Tomé, 6, patio 28004 Madrid
A través de dos grandes instalaciones –The Loft (El Loft) y Farewell (Despedida)– Pepo Salazar (Vitoria, 1972) alude a movimientos utópicos del siglo XX, desde las vanguardias de entreguerras, hasta el punk, pasando por movimientos subversivos como la Internacional Situacionista. Revisándolos desde la perspectiva de la sociedad actual, Salazar revela la sensación de pérdida, desazón y depresión ante el panorama desolador de unos proyectos culturales devastados.
GALERÍA CASADO SANTAPAU Conde de Xiquena, 5 28004 Madrid
IX Premio de Fotografía El Cultural 05.06 - 18.07.2008
Las fotografías realizadas por Jenny Holzer (Ohio, EE.UU., 1950) muestran intervenciones sobre edificios y lugares con neones y estructuras luminosas que encierran un mensaje. Textos sintéticos que ocultan significados profundos, no con la intención de poner de manifiesto una idea, sino planteando preguntas al espectador. Holzer lanza sus mensajes directamente al intelecto, a veces con connotaciones políticas y siempre con sugerencias emocionales.
Por otra parte, el Espacio 2 de la galería Marta Cervera también acogerá la obra del ganador del IX Premio de Fotografía El Cultural para artistas jóvenes. GALERÍA MARTA CERVERA. espacio 2 Plaza de las Salesas, 2 28004 Madrid
Adam Fuss, Jay Heikes, Miranda Lichtenstein, Anthony Pearson, R.H. Quaytman, Meredith Sparks, Sara Van der Beek.
Estos siete artistas utilizan la fotografía para buscar una relación con el objeto, realizando fotografías de distintos elementos, objetos-foto, y composiciones donde mezclan estas piezas con fotos antiguas, transformando así lo viejo en nuevo.
Cuestionan y manipulan el medio, bien mediante el uso de collage o empleando tipos de impresión poco comunes como el fotograma, el papel normal coloreado, la serigrafía de instantáneas de fotografías, etc. Una mirada hacia delante buscando en el pasado.
GALERÍA MARTA CERVERA. espacio 1 General Castaños, 5 28004 Madrid
